Yuja Wang

Yuja Wang - Scriabin, 

Selections for Solo Piano

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Antoni Tàpies

Antoni Tàpies desde el interior, en el MNAC y en la fundación del pintor

La Fundación Antoni Tàpies y el Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC) proponen, en una misma muestra desarrollada en las dos sedes, la exposición Tàpies. Desde el interior, comisariada por Vicente Todolí. Con una selección de cerca de 140 obras, que abarcan desde 1945 hasta 2011, esta exposición pone de relieve la experimentación infatigable e incluso obsesiva del artista, y el desarrollo de su iconografía y su vocabulario hecho de signos, de materias, de colores y de objetos cotidianos.

La exposición propone una aproximación a Tàpies no sujeta a lo que se sabe, sino a lo que se descubre en el itinerario del creador. Antoni Tàpies reservó para su taller y para la fundación una parte importante de su obra. La exposición ha sido concebida exclusivamente a partir de las obras conservadas en casa del artista, muchas de ellas hasta ahora inéditas, y en la Fundación Antoni Tàpies, y concentra la atención principalmente en torno a dos líneas de su extensa producción.

Pinturas murales y materiales pobres
Por una parte, las pinturas matéricas o murales, que encontraremos mayoritariamente en las salas del MNAC, y, por el otro, los objetos y materiales pobres, que será posible visitar en la Fundación Antoni Tàpies.

El proyecto de Vicente Todolí pretende remarcar la libertad que ofrece definir, como condiciones y como límites, espacios como el taller, la vivienda y la fundación del artista. Lugares cercanos, íntimos y que acumulan obras y etapas de Antoni Tàpies. La exposición, por tanto, no trata de establecer un orden en estos trabajos o de categorizar las obras del taller, sino que procura mantener sus paradojas, sus desechos, sus contradicciones y sorpresas.

En el MNAC la exposición presenta la evolución de la obra de Antoni Tàpies a través de un recorrido que abarca toda su producción artística, desde 1945 hasta 2011. Partiendo de sus primeras pinturas realizadas en los años cuarenta, Tàpies emprende una búsqueda estética que pasa por la experimentación con materiales y formas que darán lugar, en los años cincuenta, a una expresión propia, las pinturas matéricas, que le harán merecedor del reconocimiento internacional.

Evolución de su pintura
Desde la pastosidad y el grosor de la pintura de los primeros años hasta la inclusión de nuevos materiales, como el barniz, el látex y las planchas de metal de las décadas siguientes, la muestra pone de manifiesto el interés constante de Tàpies por la materia con dos enfoques diferentes pero complementarios: como rechazo al lenguaje artístico tradicional y como sinónimo de cambio y transformación. A lo largo de la exposición se visualiza la experimentación infatigable del artista y el desarrollo de su iconografía y su vocabulario hecho de signos, materias, colores y objetos cotidianos, así como la concepción de la obra de arte como vehículo de la relación con el misterio, las fuerzas del universo y la naturaleza.

Se trata de una selección que ofrece una visión diferente, aceptando la libertad y la limitación que supone tener como único punto de partida todo lo que el artista había conservado para él, su familia o la Fundación Antoni Tàpies. Un punto de vista que no pretende establecer categorías para las obras sino exponer y revelar sus tensiones, contradicciones y paradojas.

La exposición en la Fundación Antoni Tàpies
Paralelamente, en las salas de la Fundación Antoni Tàpies, el visitante encontrará una selección de obras centrada en creaciones de 1946 a 2009 que evidencian el interés de Tàpies por los materiales pobres y por los objetos: desde el uso del cartón, los hilos y los cordones de las obras tempranas hasta el ensamblaje y la incorporación del objeto en la superficie de la tela que se hacen más manifiestos a partir de finales de la década de 1960. La elección hace evidente la voluntad de Tàpies de magnificar lo que se considera pequeño e insignificante para mostrar que todo lo que se concibe como marginal puede sugerir ideas esenciales.

Tàpies. Desde el interior
Del 21 junio al 3 noviembre 2013
Comisario: Vicent Todolí
Organiza: Fundación Antoni Tàpies y Museo Nacional de Arte de Cataluña

Maurice Nadeau (1911-2013)

Maurice Nadeau, un siècle en littérature

Esprit indépendant, éditeur de génie, lecteur avide et écrivain, Maurice Nadeau, décédé dimanche à l'âge de 102 ans, n'a jamais désarmé et sa vie se confond avec les livres, lui qui a révélé tant d'auteurs cultes, de Georges Perec à Malcom Lowry, de Henry Miller à Michel Houellebecq. 

Esprit indépendant, éditeur de génie, lecteur avide et écrivain, Maurice Nadeau, décédé dimanche à l'âge de 102 ans, n'a jamais désarmé et sa vie se confond avec les livres, lui qui a révélé tant d'auteurs cultes, de Georges Perec à Malcom Lowry, de Henry Miller à Michel Houellebecq.

afp.com/Pierre Verdy

L'éditeur et écrivain Maurice Nadeau, qui avait créé la revue La Quinzaine littéraire en 1966 est décédé dimanche chez lui à l'âge de 102 ans. 

"Pendant toute ma vie, j'ai toujours eu la bonne place pour découvrir des écrivains. J'étais à l'affût, j'écoutais, je lisais beaucoup, des manuscrits, les revues, la presse étrangère", expliquait en 2011, pour son centième anniversaire, ce grand Monsieur des lettres au flair admirable. 

Né le 21 mai 1911, orphelin de guerre élevé par une mère illettrée, il était normalien et avait commencé sa carrière comme enseignant de lettres modernes puis journaliste et critique littéraire. Maurice Nadeau avait la carte de presse 5262, obtenue en juillet 1945 quand il était chroniqueur à Combat, avant de signer à l'Observateur, à L'Express... Il avait connu Aragon, Breton, Prévert, écrit une "Histoire du Surréalisme". 

Jusqu'au bout, cet éditeur et écrivain à l'allure de patriarche a veillé sur La Quinzaine littéraire, sa tour de guet, que l'ex-militant trotskyste avait fondé en 1966 après avoir créé la revue Les Lettres nouvelles. En mai 2013, il lançait encore un appel pour sauver le bimensuel, confronté de nouveau à de graves difficultés financières. 

Indépendance et flair

Face aux grandes maisons, la sienne incarne les vertus de l'artisanat et de l'indépendance sans concession. Avec moins de dix livres par an, elle a eu rarement les honneurs des prix littéraires. Angelo Rinaldi disait de lui: "il est l'éditeur de l'impossible". Les coups de marketing, les visées commerciales, ce n'était pas pour lui. 

Il avouait être "très fier" de certains écrivains qu'il avait publiés et parfois défendus contre la censure, comme Henry Miller, qui lui avait donné toute son oeuvre. Il avait aussi écrit le premier article sur Samuel Beckett, ce dont l'écrivain irlandais lui a toujours été reconnaissant, a fait connaître Georges Bataille, René Char, Henry Michaux, Claude Simon, Witold Gombrowicz et tant d'autres. 

"Après leur premier succès, ils me quittaient"

"Mais Malcom Lowry est ma plus grande découverte. Son roman,Au dessous du volcan, c'est l'une des plus poignantes histoires d'amour que j'ai jamais lue", confiait-il. "Georges Perec, aussi, je suis très fier de l'avoir découvert. Il avait été refusé partout. La plupart de ceux que je publiais l'avaient été. Après leur premier succès, ils me quittaient". 

Ainsi, dès queMichel Houellebecqest sorti de la confidentialité après la publication par Nadeau d'Extension du domaine de la lutte, en 1994, il a rejoint de plus grosses écuries. "Je me définis comme un passeur. Jeune, je voulais changer le monde, j'étais un utopiste. Aujourd'hui, je me révolte encore mais je ne risque rien", disait Maurice Nadeau, au soir de sa vie, assurant ne pas être angoissé par l'âge ni la mort, lui qui, à 95 ans, avait dû convaincre un chirurgien "d'oser l'opérer" d'un anévrisme de l'aorte. 

Tàpies

El tesoro de Tàpies sale a la luz

Fue todo lo que Tàpies, uno de los grandes artistas del Siglo XX, guardó celosamente en vida

Las creaciones que habitaron su casa, su taller, su fundación, y las que recompró para permanecer en compañía del fruto más preciado de su propia trayectoria

La fundación Tàpies y el Museo Nacional de Arte de Cataluña exponen las obras que el pintor catalán siempre soñó con tener junto a él

Estudio de Tàpies en su casa de Barcelona. / CATERINA BARJAU

Teresa desciende desde su cuarto hasta esta estancia iluminada en la que ella y su marido, Antoni, soñaron el amor, el arte y la vida. Él murió hace un año y unos meses, y ella está triste. Ya estará triste siempre, dice. Ahora conversa sobre su marido con Miquel, uno de sus tres hijos, y con el periodista. En sus memorias, Antoni recuerda cuando volvió de París y se encontró en la estación con ella, su novia desde la adolescencia. Y esta mujer, que hasta entonces había tenido sombríos sus ojos, como si la mirada se le hubiera quedado en el tiempo en que murió Antoni, exclama para rememorar aquel encuentro como si este hubiera acabado de ocurrir:

–¡Estupendo!

Ella es la viuda de Antoni Tàpies (1923-2012), uno de los grandes artistas del siglo XX. Cuando le pedimos que bajara con nosotros a ver la obra ingente que se almacena en el sótano donde él trabajó, Teresa prefiere seguir en la sala, como si aún hubiera que cumplir el rito de no entorpecer las jornadas del artista. Ella se queda acariciando a Mixa, la gata, es su compañía y su entretenimiento. Y en el estudio, que se fue agrandando a medida que Tàpies necesitó más espacio para crear su obra y para tenerla, se percibe en efecto el estallido de la ausencia. Tàpies no está, pero está en todas partes; él creía que sus cuadros o sus esculturas debían permanecer a la intemperie, para que el tiempo las continuara haciendo. Y aquí, en cierto modo, aquella obra se sigue haciendo, en el silencio que él quiso para trabajar como si fuera siempre de madrugada.

No es conocido, ni mucho menos;
es inédito, o casi,
en gran número de casos

Teresa y Miquel están con Laurence Rassel, la directora de la Fundación Tàpies; ya está todo hecho, casi, para que dentro de nada (el 20 de junio de 2013) se inaugure en Barcelona (en la fundación y en el Museo Nacional de Arte de Cataluña) una exposición doble (y múltiple) que ha preparado minuciosamente el valenciano Vicente Todolí, exdirector de la Tate Gallery. Tàpies, desde el interior. En 2010, aún en vida del artista, Rassel propuso a Todolí trabajar en esta idea, y el valenciano y Tàpies hablaron de ello. Aquí está el resultado. Es una apuesta insólita, como dice el director del museo, Pepe Serra, porque este museo nacional nunca ha tenido en sus salas a un autor contemporáneo, y también porque, hace unos veinte años, los entonces dirigentes culturales de Cataluña vetaron a Tàpies aquí la colocación de una obra (El mitjó, su calcetín más famoso). Pero además, y esto lo destaca Serra, porque en este museo precisamente está la raíz rabiosamente románica de la vocación plástica del artista. Y sobre todo porque la obra sobre la que ha lanzado su mirada Todolí es la que Tàpies quiso para sí, la que guardó en su casa, en su taller y en su fundación, y la que fue recomprando para estar acompañado por lo que más quiso de su historia.

Así que no todo es conocido, ni mucho menos; es inédito, o casi, en un gran número de casos. Viendo cómo trabajan el comisario, los directores del museo y de la fundación, y el amplio equipo con el que se reúnen para decidir acerca de la luz, de la secuencia rítmica de los cuadros, para establecer cómo quieren ellos que el público se asome a este Tàpies privado y total, lo que se piensa es que quizá todos ellos juntos en este momento tratan de capturar la mirada del artista sobre la obra que quiso tener.

Por la mañana, antes de ver a Teresa y a Miquel, de 52 años, en la casa en la que Antoni fue el centro, había en la Fundación Tàpies un grupo de niños mirando las obras. La maestra les preguntó si aquel calcetín (uno de los grandes calcetines de Tàpies) y otras obras del maestro eran raras o formaban parte de lo que veían en la vida cotidiana. Tàpies es la vida cotidiana, creen los niños. Ah, eso está muy bien, “es lo que él quería”. Teresa vivió con estas obras. Fue, como dice Miquel, quien ayudó a colgarlas muchas veces porque Antoni prefería que esa labor la hicieran otros. “Él decía que no tenía bastante claridad para hacerlo; encontraba que estaba demasiado próximo como para poder colgar las cosas bien”.

Estudio de Tàpies en su casa de Barcelona, con algunas de las obras que ahora se exponen. / CATERINA BARJAU

De modo que, en cierta manera, ahora Todolí está cumpliendo, en estas reuniones y en todas las que están teniendo, aquella labor que en otros tiempos fue sobre todo de Teresa. A Miquel le gusta imaginar cómo va colocando Todolí la obra que su padre quiso más. “Será, seguro, una visión fresca. Para mí es emocionante ver la selección que ha hecho Vicente porque las selecciones marcan el conjunto”.

Ni él ni Teresa la han visto aún, claro, se está colocando; esta misma mañana estuvieron Vicente, Pepe y Laurence recorriendo las enormes salas del museo para decidir la colocación, “el ritmo”, como dice el comisario, de esta obra que ahora entrará en el templo románico de Cataluña para sellar un viejo sueño de Antoni Tàpies: hacer convivir su obra con la época de la que parte el Museo Nacional de Arte de Cataluña. “Y aunque todavía no me la imagino expuesta”, adelanta el hijo, “siento esa emoción de poder revivir la obra que él quiso cerca a través de ojos distintos”.

Antoni trabajaba para cuestionarse a sí mismo y para cuestionar a la gente"

Una obra que se quiso como un trastorno. En el papel de trabajo que manejan esta mañana en la reunión en la que ya van a decidir cómo va a quedar cada milímetro de la doble muestra hay un resumen de lo que Todolí y los suyos estiman que debe ser el sustento de la apuesta: “Desde sus primeras pinturas realizadas en los años cuarenta, Tàpies emprende una búsqueda estética que pasa por la experimentación con materiales y con formas que darán lugar, en los años cincuenta, a una expresión propia, las pinturas matéricas, que le harán merecedor del reconocimiento internacional. En aquella época deposita sus esperanzas en un arte que conlleve un impacto, un trastorno para el público”.

Hervé Falciani - Entrevista

http://www.eldiario.es/economia/Falciani-cabeza-detras-origen-sistema_0_142086399.html

“Es una guerra económica y tenemos que estar preparados para luchar”. Hervé Falciani susurra con fiereza estas palabras mientras permanece de pie en la oscuridad de un pasillo de un céntrico bar de Madrid. Estamos esperando a que la policía dé la señal para salir de forma discreta del local. Acabamos de grabar la parte en inglés de la entrevista y la suerte ha querido que un conocido periodista de otro medio esté tomando un café en la barra. Los escoltas están nerviosos con que le reconozcan y de pie en ese pasillo esperamos la señal para salir por parejas. El exempleado de banca pasa así sus primeros días de libertad en España, en la misma sombra que trata de combatir.

Hervé Falciani (Mónaco, 1972) quiere hablar. Quiere informar, explicar, divulgar, revelar. Quiere llegar a la gente y elige eldiario.es para dar su primera entrevista en vídeo y sin disfraces en España. Pasará a la historia por "la lista Falciani", la relación de datos guardados en la filial de banca privada suiza del HSBC llegó al Gobierno de España en 2010 con cientos de defraudadores, entre ellos, la familia Botín que tuvo que pagar 200 millones de euros por la fortuna que tenía oculta en suiza. Pero en realidad su objetivo va mucho más allá, quiere dinamitar las cloacas del dinero negro.

Ha tardado mucho tiempo en dejar ver su nuevo rostro, que ha experimentado un marcado cambio desde las últimas fotos publicadas de 2009. Tras su paso por la cárcel (estuvo casi seis meses en Valdemoro) y el periodo de libertad vigilada, Falciani, que tiene pasaporte italiano y francés, ha perdido casi diez kilos. Desde que la Audiencia Nacional rechazó su extradición el 8 de mayo, Falciani ha recuperado parte de su tono físico. Cuando sus dos ocupaciones le dejan (trabaja con la Fiscalía Anticorrupción y en el desarrollo de software para una empresa francesa que le permite trabajar a distancia), sale a correr o practica lucha libre con sus escoltas, un nutrido grupo de policías nacionales que mantienen un altísimo nivel de seguridad alrededor del informático con el que guardan una cordial relación.

Por fin libre, y con el auto de la Audiencia Nacional echando por tierra la teoría defendida por HSBC de que trató de vender la información que robó del banco, el monegasco quiere explicar cómo funciona la tupida red de la que se aprovecha el dinero de la corrupción. La desarticulación de esa maraña se ha convertido en su principal obsesión y no quiere que los nombres de los ricos evasores hagan perder de vista el objetivo último: acabar con el sistema de arriba abajo. Desactivar a los intermediarios y testaferros que han creado un auténtico universo paralelo en dinero negro.

Por eso Falciani no quiere dar nombres. Quiere acabar con todo el sistema y se encuentra muy cómodo con la complicidad de Anticorrupción que ha entrado en el juego de anilquilar la corrupción desde su raíz. Tras el repudio del Gobierno de Sarkozy a trabajar con sus datos, está a punto de arrancar su colaboración con Francia y otras justicias europeas. Pero el exinformático es claro. Si su trabajo no da frutos por los cauces oficiales está dispuesto a buscar otras fórmulas para que la información llegue a la gente.

Provisto de un cerebro que a simple vista se aprecia como una auténtica esponja, la entrevista se desarrolla en dos días y diferentes idiomas, su lengua materna (francés), inglés y el español que practicó sobre todo en la cárcel, con compañeros como Juan Antonio Roca (cabecilla de la Operación Malaya). Extremadamente educado, fuera de cámara el informático asegura votar “siempre izquierda”.

P: ¿Cómo es el día a día de Hervé Falciani en España?

R: Tengo una vida mínima en España por motivos de seguridad. Pero no me falta nada. Excepto mi familia, evidentemente. Además de la colaboración con la Justicia continúo trabajando con un instituto de investigación a distancia (radicado en Niza).

Sigo además la agenda que marca la Fiscalía Anticorrupción. Trabajan con objetivos claros, teniendo en cuenta circunstancias como los riesgos de prescripción y escogiendo los medios para actuar.

La inminente prescripción de los posibles delitos de los españoles presentes en los datos del banco HSBC habría sido una de las principales razones por las que Falciani escogió España como punto de partida para la colaboración con la Justicia europea. En otros países, los delitos fiscales prescriben a los diez años.-

¿De qué vive?

De lo que cobro de mi trabajo como investigador.

¿Teme realmente por su vida?

Gemäldegalerie (Berlin) Tout le génie artistique de l'Allemagne

Pendant près d'un demi-millénaire, les souverains prussiens et allemands de la dynastie des Hohenzollern ont accumulé des trésors artistiques qui témoignent de leur goût et de la créativité européenne. Leurs collections ont été rassemblées au XIXe siècle dans l'île de la Spree, ou île des Musées, dans le centre historique de Berlin.

Après la Seconde Guerre mondiale, qui a vu la destruction d'environ 400 oeuvres picturales, l'Allemagne sous occupation soviétique a pu conserver une partie des collections dans le musée Bode. Le reste a été évacué par les Occidentaux à Berlin-Ouest. L'ensemble a pu être réunifié en 1998 dans un nouveau musée, dans le complexe du Kulturforum, à l'ouest de Potsdamer Platz.

Avec un total d'environ 1200 oeuvres majeures, cette pinacothèque (Gemäldegalerieen allemand) offre depuis lors l'une des plus complètes collections de la peinture européenne, principalement nordique, du XIIIe au XVIIIe siècle.

André Larané

Peinture allemande

À la jonction du Moyen-Âge gothique et de la Renaissance, voici ci-contre une belle et délicate Annonciation du peintre Aelbrecht Bouts (1455-1549), natif de Louvain (Flandre).

Dans la même veine, on peut apprécier ci-dessous la Fuite en Égypte, une oeuvre de Joachim Patenier (1480-1524) réalisée en 1520.

Le grand artiste de Nuremberg Albrecht Dürer, ayant rencontré Joachim Patenier dans sa ville d'Anvers, dit de lui qu'il est avant tout«un bon paysagiste». Le détail ci-dessous le démontre.

Autrement plus profane et moderne, très pénétrant, est le portrait ci-dessus de l'ancien maire de Nuremberg, Hieronymus Holzschuher, peint en 1526 par ledit Dürer (1469-1529). L'individu, avec sa psychologie et ses préoccupations personnelles, prend ici le pas sur les considérations spirituelles et collectives.

À la génération suivante, voici Hans Holbein le Jeune (1497-1543), natif d'Augsbourg.

Le portrait de Georg Gisze, jeune marchand de la Hanse originaire de Dantzig, témoigne de son exceptionnelle maîtrise des détails (ci-contre) mais aussi de l'inventivité de la Renaissance.

On peut y voir plusieurs allégories des vanités et également la devise du sujet (en latin) : «Nulle joie sans peine».

Réalisé en 1532, ce portrait est la première commande de la carrière anglaise de Holbein. Celui-ci est emporté par la peste dix ans plus tard à Londres.

Bien sûr, il est impossible ici de répertorier tous les artistes représentés dans la galerie. Évoquons seulement Jan van Eyck (Bruges, 1390-1441), Roger van der Weyden (1399-1464), Hans Memling (Bruges, 1440-1494), Hugo van der Goes (1440-1482)...

Notons en passant une amusante toile de Lucas Cranach l'Ancien (1472-1553) qui montre la fontaine de Jouvence : de vieilles femmes plongent à gauche dans la fontaine et sortent à droite, rayonnantes de beauté et de fraîcheur, pour se jeter aussitôt dans les bras de quelque prince charmant.

Voici ci-après une représentation atypique de deux singes par Pieter Bruegel l'Ancien (1525-1569).

L'artiste est souvent considéré comme le successeur de Jérôme Bosch, mort en 1516, habile à représenter «un monde sens desssus sens dessous».

La galerie est également bien dotée en oeuvres du XVIIe siècle hollandais et flamand avec des noms tels que Jacob Jordaens (Anvers, 1593 - 1678), Paul Rubens (Anvers, 1577 - 1640), Jacob von Ruysdaël (Haarlem, 1628 - Amsterdam, 1682), Vermeer de Delft (Delft, 1632 - 1675) et des peintres de marine comme Simon de Vlieger (1601-1653)...

De Rembrandt (1606, Leiden - Amsterdam, 1669), nous voyons ci-dessous une belle représentation de Suzanne et les vieillards.

Le portrait de Babbe la folle (1633) est une oeuvre de Franz Hals (Anvers, 1581 - Haarlem, 1666) étonnante de spontanéité, sans doute l'une des plus modernes du XVIIe siècle.

La démente ici représentée est une femme que l'artiste aurait effectivement entrevue à l'hospice d'Haarlem.

La visite se poursuit au XVIIIe siècle avec quelques détours du côté de l'Angleterre : Sir Joshua Reynolds (1723-1792)..., de la France : Jean-Baptiste Chardin (Paris, 1693 - 1779), Jean-Baptiste Watteau (1684-1721), François Boucher...

Georges de La Tour (Vic-sur-Seille, 1593 - 1652, Lunéville), peintre ordinaire du roi Louis XIII, tombe dans l'oubli après sa mort. Le voici dans toute sa puissance avec le portrait émouvant de deux vieux paysans mangeant des pois (1622).

La Gemäldegalerie de Berlin ne serait pas complète sans quelques témoignages de l'art italien (Raphaël, Titien, Bellini...).

Voir : Capitale de l'Europe future

Somnolencia universitaria

Nuestros Gobiernos quieren convertir las universidades en un territorio de pensamiento yermo

y sin opinión crítica

JORDI MATAS DALMASES 25 MAY 2013

http://ccaa.elpais.com/ccaa/2013/05/24/catalunya/1369419112_394376.html

En el informe Universidad 2000, dirigido por Josep Maria Bricall hace más de una década, se afirmaba que “la Universidad forma parte de la sociedad, comparte sus aspiraciones y sus dificultades, y es un lugar privilegiado para plantear y ayudar a la resolución de problemas sociales”. El profesor Bricall consideraba que “la Universidad no se debe contentar con adaptarse de forma pasiva a la evolución social, sino que debe tomar parte activa en la misma en estrecho diálogo y cooperación con las demás entidades sociales, económicas, culturales y políticas”. Un diálogo basado en “el estudio de problemas y la sugerencia de respuestas, el intercambio de formación, la movilización de la sociedad y el compromiso de poner en práctica las acciones que puedan acordarse colectivamente”.

En un contexto de crisis económica, política, institucional, social y de valores, la relectura de estas reflexiones de Bricall nos lleva a cuestionar si las universidades están cumpliendo su función de poner el conocimiento al servicio del progreso social y de ser foro de debate para tratar de buscar alternativas a las dificultades sociales. ¿Se han celebrado congresos, convenciones, conferencias o simposios universitarios para analizar a fondo, de manera interdisciplinaria, nuestra crisis sistémica? ¿Se aportan desde las universidades ideas y propuestas eficaces para cambiar el rumbo de las políticas erráticas de nuestros Gobiernos? Desgraciadamente, nuestras universidades están cada vez más aisladas, más replegadas en sí mismas y son incapaces de colaborar activamente en la resolución de los dilemas sociales.

Dando cuerda a Bankia

http://www.youtube.com/watch?v=iop2b3oq1O0&feature=player_embedded

Más en 

http://www.infolibre.es/noticias/politica/2013/05/25/diez_formas_protesta_violenta_4034_1012.html

El peso de la mediocridad

El peso de la mediocridad

La universidad es fiel reflejo de la sociedad, que desprecia el conocimiento

JULIÁN CASANOVA 26 MAY 2013 –

http://elpais.com/elpais/2013/05/20/opinion/1369064931_665007.html

La universidad y la investigación no forman parte de nuestro orgullo patrio. Sólo la fama, que alcanzan por ejemplo algunos futbolistas y personajes de insulto fácil, parece producir dinero y la investigación científica, al no poseer valor comercial, recoge indiferencia.

Ahora salen a menudo a la luz noticias sobre la fuga de talentos y la emigración de jóvenes científicos a países con más recursos y mejores oportunidades. Y es verdad que la crisis y los recortes pueden destruir centros de investigación que costó mucho levantar y bloquear la necesaria renovación. Pero la universidad y la investigación son el fiel reflejo de la sociedad y no pueden ser una isla de excelencia en un mar de mediocridad y de desprecio al conocimiento. Y de eso hay mucho entre nosotros y especialmente entre los privilegiados que nos gobiernan.

La enseñanza y la investigación son las dos funciones básicas y complementarias de la universidad y es muy difícil enseñar en el nivel universitario sin las ideas y hallazgos proporcionados por la investigación. Las universidades españolas, sin embargo, no necesitan competir para conseguir los mejores profesores e investigadores. La mayoría de los profesores, además, somos funcionarios con puestos vitalicios y se suele llegar a esa meta en la ciudad propia, con los amigos bien cerca, ante los que nunca hay nada que demostrar. Cuando había dinero y los contratos abundaban, era poco común incorporar a gente de fuera, rivalizar por los mejores, seleccionar al personal sobre la base del mérito y de la calidad. La excelencia, el mejor candidato, siempre estaba, casualmente, en la universidad o centro de investigación que convocaba la plaza. No hace falta insistir sobre las consecuencias negativas de la endogamia y el anquilosamiento que ha generado.

Burbuja's story

El ‘banco malo’ se enfrenta a su gran reto: cómo vender en 15 años las decenas miles de viviendas y terrenos que arruinaron a promotores y hundieron a las cajas

Muchas de esas casas están sin acabar, okupadas o con inquilinos

Bernardo Santiago recuerda que vio alarmado cómo un gusano entraba por la nariz de su hija, una monada rubia de dos años y medio. Vivía en una barraca y con las lluvias se llenaron de bichos. De eso hace más de un año. Ese día, unas 40 familias de gitanos de Las Herrerías (Cuevas del Almanzora, Almería) decidieron que ya habían tenido suficiente de chabolas y cuevas. Desde entonces ocupan las 65 viviendas de la urbanización La Secuoya, que levantó el británico Joel Homes con un crédito de siete millones que le dio Bancaja y que tiene el mismo destino que muchos horrores de la burbuja: el banco malo.

“Veíamos cómo desvalijaban la urbanización. Se llevaban puertas, ventanas, lavabos y enchufes, mientras nosotros vivíamos en chabolas. Así que decidimos instalarnos aquí”, cuenta Santiago, de 25 años. En un día de sol, se forma un corrillo rápidamente en el patio. La piscina, de azulejos azules, sin agua, es un almacén de chismes. Las puertas de las casas las han improvisado porque las originales volaron. Hay un gallo cuyo corral es un carro de supermercado volcado sobre él. Un remolino de niños corretea y en la puerta un grupo de hombres juega a la petanca.

Richard Bona

RICHARD BONA : "RESTONS AUTHENTIQUE !"entretien de Julien Le Gros avec Richard Bona

Il est, avec Manu Dibango, le plus fameux des musiciens de la diaspora camerounaise. S'il vit aujourd'hui à New York, Richard Bona n'en oublie pas pour autant ses racines célébrées dans Bonafied.

C'est un géant, chaleureux, franc, ouvert. Il donne l'impression d'être toujours un peu dans les nuages. Pas étonnant! Richard Bona ne vit et respire que pour la musique. Il avoue ne pas savoir changer une ampoule mais être capable de maîtriser n'importe quel instrument en deux heures. Bona est béni des dieux! Autodidacte, intuitif. Son nouveau projet "Bonafied", (un jeu de mots avec le terme anglais bonafied : authentique) est parti comme ça, d'une impulsion : "J'étais invité à une émission de radio. On m'a dit que les DJ étaient de grands créateurs. J'ai arrêté tout de suite l'émission. Que fait un DJ? Il assemble "La vie en rose", un bout de Fela Kuti et fait un sample. Mais il ne crée pas ! Un DJ ne joue pas un accord ! Après ça, j'ai voulu revenir à l'essence de la musique."

Par contraste avec les disques en playback, les clips artificiels (il n'en a jamais fait) et le formatage des boîtes à rythme, em>Bonafied a une conception délibérément acoustique, avec des arrangements de cordes signés Gil Goldstein. Sur le fond, Richard aborde des questions métaphysiques, notamment sur le morceau-conte : "Tumba la nyama", "La tribu des animaux", en douala. "Les animaux réunis dans la forêt, demandent à l'Homme pourquoi il est si triste: "Je ne connais pas les secrets de la nature. L'oiseau peut voler. Le poisson peut nager dans les océans. Le guépard court. Vous êtes libres." - Ah bon c'est pour ça que tu es triste? On va t'apprendre tous les secrets." A peine l'Homme connaît un millième de ces secrets qu'il s'en accapare et dépose un brevet d'invention ! On oublie une chose : l'Homme n'a jamais rien inventé. Tout ce qu'on invente est une reproduction de ce que les animaux font dans la nature depuis des billions d'années. Quelques années plus tard, les animaux recroisent l'Homme: "Pourquoi es-tu toujours triste?" Le hibou, considéré comme un sage, fait: "Vous savez! C'est une espèce qui ne sera jamais satisfaite, jusqu'à ce que la nature lui dise: Il ne me reste plus rien!" Dans la chanson je parle aussi de l'eau. L'eau ne s'achète pas au village. Aujourd'hui je suis obligé de le faire ! Alors que l'eau nous est donnée. La nature nous aime sans conditions. L'air nous est donné gratuitement. Le jour où les êtres humains vont contrôler l'oxygène tu devras l'acheter ! C'est triste!"

Fidèle aux sources

Richard rend aussi hommage à celui qu'il appelle son mentor musical : son grand-père, qui lui a fabriqué son premier balafon: "Il est mort à cent-trois ans, sans quitter le village de Minta. Il m'a ouvert au monde. Il disait toujours: "Ceux qui vont t'apprendre le plus c'est ceux qui sont différents de toi." C'est au sein de cette famille de musiciens que le jeune Richard a fait ses classes, puis, à Douala, où il rencontre un ponte du Bikutsi, Messi Martin. Il joue les musiques locales: l'Assiko, le Mangambeu le Makossa... "On gagnait peu d'argent. Pendant la journée, Messi était surveillant dans une école que je fréquentais. Du coup je n'avais jamais de punitions ! Je dormais en classe. Je finissais les gigs à quatre heures du matin. Et il fallait être en classe à huit heures!" Et puis, grâce à un Français, il découvre un autre univers, le jazz, et un instrument de prédilection, la basse : "Je n'ai jamais voulu jouer de la basse. Je chantais, je jouais de la guitare, du balafon. Ça ne m'attirait pas jusqu'à ce que j'écoute: "Portrait of Tracy de Jaco Pastorius."

Le Cameroun est un grand pourvoyeur de bassistes, à tel point qu'on parle de basse camerounaise. Richard a sa théorie là-dessus: "Dans les musiques traditionnelles du Cameroun la basse a une place très importante. Si le bassiste n'est pas là, les concerts ne commencent pas! La place de cette basse s'est répercutée dans les musiques modernes à travers les pionniers : Vicky Edimo, Jean Ekoto..."

"Once upon a time in America"

A dix-neuf ans quand il débarque en France, le surdoué est déjà un professionnel aguerri. Un jour de 1993, alors qu'il "jamme" au Passage du Nord-Ouest, à Paris, un certain Joe Zawinul, pianiste du mythique groupe Weather report lui glisse :"Si tu viens à New York tu dois m'appeler." New York me paraissait loin ! Un jour mes papiers n'ont pas été renouvelé en France. Je me suis dit: "Allons à New York !" Deux semaines après j'ai trouvé un logement. J'ai appelé Joe d'une cabine dans la rue. Sans que je dise un mot il a fait : "Richard Bona ! That's crazy, man!" J'habitais à trois blocs de chez lui, dans la douzième rue..." A New York les nouveaux talent trouvent vite un job. Un jour, en 1995, un certain Harry Belafonte, qu'il ne connaît ni d'Eve ni d'Adam l'appelle. Je lui ai dit : "De quel instrument tu joues?" - Aucun ! - Si tu ne joues pas il ne faut pas m'appeler ! - "Tu ne connais pas Harry Belafonte ?" - "Et toi, tu connais Richard Bona ?" Il m'a raccroché au nez !" Malgré cet incident, il deviendra le directeur artistique du grand Harry. "J'ai fait mon premier concert avec lui à Inglewood, New Jersey. Le boss arrive, bien habillé : "Chef, tu es prêt ? Oui ! - Non t'es pas prêt !" Comment ! Harry Belafonte qui ne joue pas d'un instrument se permet de dire que je ne suis pas prêt ! Mes câbles étaient un vrai bordel. Il me dit: "Je ne veux pas voir ça sur ma scène!" Il a mis de l'ordre lui-même avec du scotch : "Maintenant, tu es prêt!" A partir de ce moment, j'ai toujours gardé une présentation impeccable!"

Bonaventure

Désormais plus rien ne peut arrêter Richard. On connaît la suite. Un premier album "Scenes from life" qui marque les esprits en 1999. Disques, voyages et rencontres se succèdent à un rythme effréné. "Je reste un étudiant de la musique. J'aime apprendre des choses nouvelles à chaque voyage. Je reviens du Brésil où j'ai travaillé avec le chef d'orchestre Joao Mauricio et l'Orchestre symphonique de Sao Paulo. C'est un spécialiste de Stravinski. Il y a tellement à apprendre. La musique est une école qui ne finit jamais. Tant mieux ! Je sais que je ne sais pas!" En tout cas le peu qu'il sait est recherché! Il doit enregistrer avec Lauryn Hill. Il revient d'une séance en studio à Los Angeles avec Stevie Wonder : "C'est lui qui est venu me chercher! Il a même voulu que je pose ma voix avec la sienne ! Ce que je n'arrivais pas à croire!" Bona n'en finit pas de réaliser ses rêves. "Je suis très réservé. A un concert Jazz Day aux Nations Unies, je partageais la même loge que Robert De Niro. Il est venu me demander un autographe. Je regarde ses gardes du corps : "C'est un canular ?" - Il me répète: "Est ce que je peux avoir votre putain d'autographe? Ma femme a tous vos disques. Si je rentre chez moi sans autographe, je vais dormir sur le paillasson !" Y a-t-il de plus belle reconnaissance ?

En concert au Café de la Danse le 21 mai 2013.

Rigor y risa

Hay entre nosotros tanto rigor intelectual mortis (la novela, pobre, muertita) y abundancia de autor comprometido y admirable que convendría que nos llegara ahora una sencilla ráfaga de literatura del desatino, aquella que, según Chesterton, fundara Mr. Lear, el enigmático Edward Lear.

Al oír hablar de semejante rama de la literatura, algunos quizás piensen en Aristófanes, Sterne, Rabelais, pero hay que decir que si bien estos escribieron obras maestras del género lo hicieron en un sentido diferente a los artefactos de Edward Lear, pues lo que ellos escribieron era de corte satírico, es decir, simbólico, y siempre hubo una gran diferencia, decía Chesterton, “entre el instinto de la sátira, que, viendo en los mostachos del káiser algo inherente a él, los dibuja cada vez más grandes, y el instinto del desatino, que, absolutamente sin motivo alguno, imagina cómo le quedarían esos mostachos al actual arzobispo de Canterbury si en una distracción se los dejara crecer”.

Si Edward Lear (A book of nonsense) llegara a enterarse de que nuestros escritores comprometidos se espían con lupa para averiguar quién observa mejor conducta moral, se dedicaría a jugar con todos los mostachos de los patriarcas de nuestro circo familiar. Y es que tan docto espionaje ha creado la sensación en nuestro ruedo de que es tan inadmisible subirse al andamio del desatino como escribir sin encargo divino alguno. Pero veamos, ¿acaso no pueden elegirse otros caminos? ¿Qué ocurre si descubrimos, por ejemplo, que alguien escribe microgramas en todo tipo de papelillos que encuentra por ahí? ¿Y qué pasa si, además, como sucede en el caso de Robert Walser, la constancia en la utilización de papelitos (en muchos de ellos el texto tenía una extensión que coincidía casi al milímetro con el tamaño de la hoja) sugiere la hipótesis de que era el tipo de papel y su formato lo que originaba en este narrador el proceso de escritura?

Si esa hipótesis fuera cierta, algo que veo probable tratándose de Walser, ¿no estaríamos ante una inmensa desmitificación de los grandes temas y escenas de la literatura? El autor de Jakob von Gunten fue un escritor sin causa, escribía sin ninguna finalidad visible, cualquier tema le parecía interesante. Cuando en tiempos como estos se oye discutir sobre cuestiones tan supuestamente trascendentes, la “escritura sin finalidad” de Walser crea el más completo desconcierto, parece lindar con el territorio de los desatinados.

Resulta interesante ver cómo quien escapa de las reglas comunes de nuestra sociedad anónima de rigurosos, presumidos y realistas-lukácsianos lo tiene mal, y hasta puede que le espere un cero en conducta. Sépase que, ya cuando defendió al desatino en literatura, Chesterton advirtió que sería indefendible si no fuese más que un simple capricho estético (estaba contra el principio estúpido del arte por el arte) y lo enlazó a sólidos razonamientos que concluyeron que en el fondo el desatino era una fe como un templo; añadiría yo aquí que es un instinto matinal irrefrenable, como estoy comprobando ahora mismo; un instinto que obliga a preguntarse si acaso hay alguien que tenga más fe en el mundo que el desatinado.

El desatinado se asombra siempre ante la luz eternamente cuadrada de los mostachos invisibles de sus paisanos. Y es alguien que no ignora que el sinsentido en literatura ha sido ya admitido en muchos parajes risueños porque ofrece su versión propia del cosmos; el mundo no es solo lo trágico, lo romántico, lo religioso, es también lo desatinado, basta ver cómo los dioses dejan que llueva sobre desiertos donde no hay nadie. Y, en fin, el desatinado no desprecia los compromisos; de vez en cuando adquiere alguno como obligarse a un vistazo diario al patio de estatuas de los escritores edificantes. Contemplo ahora ese patio entre el rigor y la risa.

www.enriquevilamatas.com

 

LOS PROFESORES DE LITERATURA

LOS PROFESORES DE LITERATURA

Luis García Montero

diario Público.es , 25/04/2013.

“El mundo del libro está en crisis. Al calor del 23 de abril se dan cifran, se discute sobre los horizontes que abre la tecnología, se denuncian las repercusiones de las descargas ilegales y se ofrecen datos sobre los problemas que soportan editores, autores y libreros. También se publican listas de éxitos y se valora la festividad de San Jordi como una competición de ventas. Es sintomático que casi nunca se hable de los profesores de literatura.

La crisis golpea la industria editorial como ocurre hoy con cualquier industria. La incertidumbre económica y la política de recortes han hundido el consumo. Las inversiones públicas encargadas de mantener las bibliotecas y los centros de investigación disminuyeron tanto que ni siquiera resulta posible mantener las suscripciones de las revistas históricas. El panorama invita a la desolación. Las dificultades económicas, además, están acelerando la confusión entre la calidad literaria y los éxitos de ventas. Las obras comerciales llegan a tratarse en la prensa y en el mundo editorial con el respeto que antes se guardaba para el valor artístico e intelectual. En una realidad tan agobiada, el libro que se vende es un acontecimiento.

Pero no creo que todos los problemas se deban a la coyuntura de la crisis económica. Me parece que hay razones de más calado. La degradación cultural española, las invitaciones a un entretenimiento zafio y a un populismo capaz de enorgullecerse de su ignorancia, están dañando un tejido lector ya de por sí débil. La lectura como ejercicio cultural en las horas de ocio pide una relación especial con el tiempo, con las ideas de éxito o fracaso, con la realización personal y con el significado de la dignidad humana que empieza a escasear en los paradigmas sociales.

Escribo estas ideas tristes y enseguida tengo la sensación de estar convirtiéndome en un viejo cascarrabias, en alguien incapaz de entender un mundo joven. Tal vez se trate de un cambio de ciclo cultural, de una evolución positiva hacia un horizonte ante el que me siento desorientado. Es muy posible, pero en cualquier caso intuyo que en ese cambio de ciclo el lugar del libro está lleno de heridas. Y aclaro que mis palabras nada tienen que ver con la denuncia de la juventud, porque la mayoría de las decisiones que nos conducen por caminos que me inquietan las ha tomado gente mayor o muy mayor. El motivo último de preguntarnos si está bien lo que hacemos es la certeza de las dificultades laborales y humanas que sufre la juventud por culpa nuestra.

Tamara de Lempicka (1898-1980 )

De la Belle Époque a los locos años 20

Muestra de las exposiciones de Art Nouveau y Tamara Lempicka. [VEA MÁS IMÁGENES]

Juan Manuel Bellver (corresponsal) | París

http://www.elmundo.es/elmundo/2013/04/27/cultura/1367057239.html

 

Tamara de Lempicka (1898-1980 ) fue una de las mujeres más bellas, libres y modernas de su época, además de una artista excepcional que se inspiró de los lenguajes más innovadores del siglo XX: fotografía, grafismo, cine, moda...', explica la italiana Gioia Mori, comisaria de la exposición retrospectiva que la Pinacoteca parisina dedica a la indiscutible reina del Art Decó.

Hasta el 8 de septiembre, este museo privado situado en una esquina de la muy turística la Place de la Madeleine acoge la muestra sobre la vida y obra de la fascinante Lempicka en su sala 2 y propone, en paralelo, un exhibición dedicada al Art Nouveau en su sala 1. Por 18 euros el billete conjunto, el visitante puede descubrir la primera antológica dedicada desde los años 60 en la capital francesa a este movimiento decimonónico y su evolución hacia el Art Decó a través de uno de los iconos del cambio de siglo.

Burgués el uno, libertario el otro, París fue el centro en el que ambos estilos gravitaron sucesivamente, antes de que la capital francesa cediera a Nueva York el testigo de metrópoli preponderante en las artes planetarias. Y París es la ciudad que hoy les rinde homenaje, a través de estas dos exhibiciones donde el antagonismo de otros tiempos se torna complementariedad un siglo después.

El Art Nouveau nació a finales del siglo XIX,