PRAETORIUS, Michael (1571-1621): "Es ist ein Ros entsprungen" Adventsgruß & Flashmob im Kölner Hauptbahnhof

Stan Getz (1917-1991)

STAN GETZ

Stan Getz/ Diseño y Cartoon by ©Kuto /Vegap

Stan Getz. The Sound

Filadelfia, 1927 / Los Angeles, 1991

Saxo tenor

"Admitámoslo. Si pudiéramos, a todos los saxos tenores nos gustaría tocar como él". Estas palabras de John Coltrane definen por si mismas al espléndido saxofonista que fue Stan Getz; un tipo de piel blanca que producía con su tubo metálico un sonido cautivador que elevaba los espíritus para transportarlos al mundo de la belleza suprema del arte.

http://www.youtube.com/watch?v=kH_nVv9eiyo&feature=player_embedded

 

Pocos músicos de jazz han logrado crearse una identidad musical tan reconocible para el gran publico como la que consiguió Stan Getz. Daba igual lo que tocara, con quien tocara y el momento histórico en que se encontrara; Getz siempre sonaba a Getz, y en función del paso del tiempo, sonaba a un Getz mejor. Bastaba escucharle tocar unas cuantas notas para identificarle por su sonido acariciador y por sus improvisaciones imaginativas y poéticas que nacieron bajo la influencia principal de su idolatrado Lester Young, y claro está; también con los valiosos aportes boperos de Charlie Parker (de esto no se salvaba casi nadie) y la del coloso Sonny Rollins, visible -sobre todo- en su etapa post-bossa nova, cuando incorporó elementos mas expresivos y de color Calypso a su música.

Acoplado siempre a la época en la que le toco vivir; pero sin dejar de ser nunca él mismo; consiguió brillar en estilos tan diferentes como las baladas; el bebop; el cool; la bossa nova y el jazz moderno. Gracias a ese espíritu aventurero e innovador, Getz siempre fue, para el jazz, un músico del presente y sin edad.

http://www.youtube.com/watch?v=WctZJcPwnOQ&feature=player_embedded#t=0s

 

 

D'AGINCOURT, François (1684-1758)

D'AGINCOURT, François (1684-1758) - Pièces de Clavecin

Obra de Johannes Bosboom (1817-1891), pintor holandès.

- En record del 255è aniversari del decés de François d'Agincourt -

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François d'Agincourt (1684-1758) compositor i organista francès nascut a Rouen. L'endemà de la encisadora música de Donizetti, canviem de geografia i situem-nos a la veïna França per a descobrir-hi un dels seus organistes. I en un temps, al del domini reial i anys abans de la posterior revolució francesa, en què la música d'orgue, i en el seu defecte la de clavecí, vivien en la glòria daurada gràcies al gust reial per aquests instruments. Lluís XIV, el monarca hedonista, classista i elitista, era l'afortunat rei en temps d'Agincourt tot i que l'any 1715 fou substituït per Lluís XV quan aquest tenia, atenció, 5 anys. Coneguda la fama d'admirador acèrrim de la música de Lluís XIV, fins el punt de situar un tal Lulli, italià convertit al messianisme reial francès, a la seva dreta, la més propera en tots els sentits. I si les fastuoses celebracions reials eren del gust monàrquic també ho eren, pel significat noble i estètic, les grans partitures per a orgue i clavecí.

Obra de Georg Braun (1541-1622), geògraf alemany.

És aquí on intervé el nostre protagonista d'avui, d'Agincourt, organista íntimament relacionat amb la seva ciutat natal, fou organista en diverses esglésies abans de recaure, per fortuna per ell i pels seus familiars i amics, a la Capella Reial de París. Allà, i sempre en nom del Rei de torn, va compondre tota una sèrie de partitures en què l'orgue o el clavecí n'eren els beneficiaris directes. De fet, el seu repertori és extens quantitativament parlant però extremadament limitat a la instrumentació de teclat. Per tant, en el dia del seu aniversari de decés any, també, de la mort de Johann Friedrich Fasch, haurem d'obrir la enciclopèdia de partitures de clavecí, buscar per la lletra A i escollir dins de l'extensa producció d'Agincourt.

 

Para seguir leyendo y escuchar a D'Agincourt

http://www.reciclassicat.com/2013/04/dagincourt-francois-1684-1758-pieces-de.html

Juan de Diego (trompetista, Bilbao, 1968)

http://juandediego.com/bio/

Reseña del concierto de Juan de Diego a La Vicentina (Sant Vicenç dels Horts):
http://jazzclublavicentina.blogspot.com.es/2013/04/petita-cronica-en-calent-del-concert-de.html

Rolando Villazon

Rolando Villazon - "Pourquoi Me Reveiller" (Werther, Massenet)

“L'òpera no és un art de museu”

El tenor Rolando Villazón presenta un disc amb àries de Verdi que cantarà al Palau de la Música aquest estiu

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El tenor Rolando Villazón, ahir a Barcelona. Foto: JUANMA RAMOS.

 

El cantant mexicà tornarà al Liceu amb ‘L'elisir d'amore', de Donizetti

El tenor Rolando Villazón (Mèxic, 1972), una de les grans figures líriques actuals, va viatjar a Barcelona dimarts passat per signar exemplars de la novel·la Malabares (Espasa) i presentar el seu disc Giuseppe Verdi, A musical journey (Deursche Grammophon), amb àries de Verdi que configuren el repertori de la seva gira europea que el portarà de nou a Barcelona, el 27 de juny al Palau de la Música. Abans tornarà a Catalunya per interpretar al Liceu (27 i 30 de maig, i 2 i 5 de juny) l'òpera L'elisir d'amore, de Donizetti.

 

Fetén: Rare Jazz Recordings from Spain 1961-1974

Fetén: Rare Jazz Recordings from Spain 1961-1974

http://www.cuadernosdejazz.com/index.php?option=com_content&view=article&id=2652:feten-rare-jazz-recordings-from-spain-1961-1974&catid=4:discos&Itemid=7 Varias formaciones: Catalònia Jazz Quartet, Dusko Goykovich, Modern Jazz Sextet, Elia Fleta y el Jazztet de Madrid, Tino Contreras, Mantequilla y su conjunto, Lou Bennett, Juan Carlos Calderón, Jazz Group, Nits de Jazz al Jamboree, Vlady Bas. 1961-1974 Vampisoul VAMPI 146 (CD / 2 LP) HISTÓRICOS DE NUESTRO JAZZ Oyendo esta sorprendente recopilación de piezas de jazz español uno no puede por menos que preguntarse qué hubiera sido de aquella escena de no haber estado en un país que como el nuestro se encontraba tan aislado y donde era tan difícil llevar una carrera de músico de jazz con cierta normalidad y dignidad. Entre las once formaciones que se incluyen hay un poco de todo, con cosas más o menos originales y más o menos logradas. Todos los cortes seleccionados pertenecen o bien a la escena de Barcelona o bien a la de Madrid (no había mucho más, al menos dentro del período tratado por esta edición). Y aún un último detalle a tener en cuenta, y es que el compilador, Javi Bayo, ha prescindido de incorporar a Tete Montoliu (si no es como acompañante, habida cuenta de que por fortuna ya disponemos de muchos registros del maestro), y de este modo ha podido centrar su atención en músicos y formaciones menos conocidos. De entrada, hay que mencionar la inclusión de tres músicos que si bien no eran españoles estuvieron con frecuencia entre nosotros o bien se instalaron aquí, y que realizaron algunas grabaciones con músicos locales. Por ejemplo, el trompetista serbio Dusko Goykovich, que dejó un par de registros en 1971 con un cuarteto que incluía al gran Tete Montoliu. El tema seleccionado, Bosna Calling, tiene el nervio y robustez del jazz que se estaba haciendo por aquel entonces a nivel internacional. Otro de nuestros ilustres “visitantes” fue el organista Lou Bennett, que hizo del Jamboree de Barcelona su residencia habitual. La pieza que de él se incluye, Movimiento, formaba parte de la banda sonora del film de José María Forqué La vil seducción, y en el trío se encuentra el exquisito baterista alemán Peer Wyboris, que acabaría instalándose de forma definitiva entre nosotros. Y, finalmente, el percusionista mejicano Tino Contreras, que en los 60 estuvo dos veces girando por nuestro país y que grabó en Madrid dos EP, de los cuales se incluye aquí Marcha de los dioses, un potente y frondoso número de hard bop.

Jazz - Los mejores discos 2012 (según www.cuadernosdejazz.com)

LOS MEJORES DISCOS de 2012 (I)

http://www.cuadernosdejazz.com/index.php?option=com_content&view=article&id=2622%3Alos-mejores-discos-de-2012-i&catid=10%3Ageneral&Itemid=11&limitstart=1 Centennial: Newly Discovered Works of Gil Evans Ryan Truesdell (ArtistShare) Director de Orquesta y copista de la banda de Maria Schneider, Ryan Truesdell concibió su homenaje al centenario de Gil Evans como un proyecto del sello ArtistShare. Una vez que la familia del músico canadiense le granjeó el acceso a sus documentos, Truesdell encontró cincuenta piezas y arreglos nunca antes grabados, diez forman Centennial: Newly Discovered Works of Gil Evans, algo más que lo que ya es en sí un excepcional trabajo de recuperación. Truesdell no ha construido en él un frankenstein histórico que respire aire de segunda mano sino -ya desde su portada, unas extensísimas y muy detalladas notas que se leen con inmenso placer, y un cuidado desmesurado en grabación y mezclas (el sonido de bajo(s) y percusiones es derritiente)– una auténtica labor de devoción que cubre buena parte de la obra de Evans con tanta fidelidad a la letra como espacio para la exposición individual. El interés y valor intrínseco de cada pieza puede variar pero hay cortes muy valiosos que añadir al catálogo de Evans, si se quiere alguno acaso con la consideración de “marginalia” (puede que el arreglo de La Violetera haga arquear las cejas a más de uno), pero una uniforme excepcionalidad en las interpretaciones. De entre los primeros cabe señalar el extraordinario Punjab que abre el álbum –originalmente a incluir en Out of the Cool-, con las tablas de Dan Weiss y solos de primera de Frank Kimbrough y Steve Wilson; la versión completa de Barbara Song, un prodigio de tintes tonales, o la unión de Waltz -Variation on the Misery- So Long, ambos cortes con un muy bluesy Joe Locke. La última, otro prodigio de movimiento interno, con un explosivo solo de Donny McCaslin. Es fácil escoger estos tres cortes pues son los más extensos pero los hay más breves de igual consideración: el muy sedoso Look to the Rainbow originalmente destinado a Astrud Gilberto y aquí interpretado por una ensoñadora Luciana Souza sobre una nube de maderas y con una línea de contrabajo como segundo solista, o Birth of the Cool Dancing on a Big Great Rainbow. Un trabajo cimero en dirección, solos de altura de, además de los citados, Greg Gisbert, Scott Robinson o Jay Anderson, y sonido espectacularmente suntuoso completan un disco que exhala en todos sus detalles devoción y cuidado por su tema. Reunion: Live in New York Sam Rivers, Dave Holland & Barry Altschul (Pi Recordings)

Bebo Valdés (1918-2013)

Kaikhosru Shapurji Sorabji (1892-1988)

Roses du soir

Crépuscule du soir mystique

Soprano: Elizabeth Farnum
Piano: Margaret Kampmeier


Texte : Paul Verlaine

Le Souvenir avec le Crépuscule
Rougeoie et tremble à l'ardent horizon
De l'Espérance en flamme qui recule
Et s'agrandit ainsi qu'une cloison
Mystérieuse où mainte floraison
-Dahlia, lys, tulipe et renoncule-
S'élance autour d'un treillis, et circule
Parmi la maladive exhalaisons
De parfums lourds et chauds, dont le poison
-Dahlia, lys, tulipe et renoncule-
Noyant mes sens, mon âme et ma raison
Mêle, dans une immense pâmoison,
Le Souvenir avec le Crépuscule.

Hans Werner Henze (1926-2012): entre la música y el compromiso

12/11/2012

HANS WERNER HENZE

No es fácil definir o hacer una síntesis del vasto legado musical de un gigante musical como lo fue el alemán Hans Werner Henze, uno de los indiscutibles autores musicales del siglo XX y parte del XXI.  Lo que sí es incuestionable es que Henze, fallecido el pasado 27 de octubre, es uno de los compositores alemanes más importantes de la segunda mitad del siglo veinte, sino el que más. Pero si hay que resumir en alguna frase o palabra a este gran pensador musical, desde el diario conservador español ABC lo dejaban bien claro y sin titubear, señalando a Henze como “el Einstein de la ópera en el siglo XX”, mientras que el compositor español Jorge Fernández Guerra hablaba del alemán en términos de “músico total”. Por su parte, Arturo Reverter señalaba de Henze “la maestría con la que estaba manejada su orquesta, de enormes medios, pero tratada con una sutileza sensacional; del refinamiento y de la transparencia que conseguía de ella, de la riqueza de matices que despide, de la claridad de las líneas, de la delicadeza de los conjuntos, trabajados con la minuciosidad de un orfebre; de la emoción, del lirismo, que se desprenden de todo ello”.

Dentro de la música contemporánea (la que va desde la Segunda Escuela de Viena hasta hoy) se puede decir que Henze fue un personaje “inclasificable”, sin que su pensamiento musical se adhiriera a movimiento alguno o a un género musical concreto. Para sus coetáneos, no era suficientemente, en lo musical, arriesgado. Le faltaba ese grado de “anarquía” que, según el erudito Theodor Adorno, debían impregnar sus pentagramas. Henze, pues, navegó a contracorriente de las modas y modismos experimentales impuestos por el dodecafonismo sonoro y la atonalidad, optando por buscar más en la tradición del neoclasicismo o ahondar en el lenguaje musical stravinskiano. Y es que, para Henze, las moderneces quedaban para otros, quizás más enfrascados (o atascados) en batallas sobre qué derroteros estilísticos debía de tomar la música culta tras la defunción del romanticismo (con sus tardocomposiciones de los primeros años del siglo pasado) y la aparente consolidación del modelo musical dodecafónico. Así pues, para esos supermodernos progresistas (en lo musical) Henze era una especie de “antigualla” por aquello de que el alemán seguía componiendo óperas largas y obras sinfónicas de matices y colores sospechosamente poco vanguardistas. No era bien visto por los epígonos o capitostes más sobresalientes del “avant-garde” sonoro como Pierre Boulez, Luigi Nono o ese petardo de Karl Heinz Stockhausen, cuyas obras, en general, me resultan lo más parecido a esperpénticos proyectos de algaradas musicales. Ahora bien, debe de quedar claro que si no te gusta la música culta de la segunda mitad del siglo XX, Hans Werner Henze tampoco será un compositor de tu agrado. 

Para seguir leyendo:

 http://uraniaenberlin.com/2012/11/12/hans-werner-henze-1926-2012-entre-la-musica-y-el-compromiso/

Jazz: Historia de Nueva Orleans

Historias de Nueva Orleans

Texto y Fotos: Manuel Recio  http://www.cuadernosdejazz.com/component/content/article/2487.html   La confluencia entre Perdido y South Rampart es mucho más que un simple cruce de calles. En ese punto exacto se situaba el Odd Fellows Hall, uno de los antros que encumbró a Buddy Bolden como primer rey del jazz. NUEVA ORLEANS y el jazz perdido Justo en el piso de arriba estaba el Masonic Hall Ballroom, detrás el Eagle Saloon, a unos metros, el emblemático Funky Butt, lugares donde el primigenio jazz de Nueva Orleans tomó su forma. El propio Bolden nació y creció a unas calles de distancia y frecuentaba las tiendas y tugurios de la zona. El mismo bloque, en el número 427 de South Rampart, acogía el domicilio de los Karnofsky, familia judía que apadrinó a Louis Armstrong y jugó un papel fundamental en su desarrollo musical. Gracias al dinero ganado trabajando para ellos, el pequeño Louis pudo adquirir su primera corneta. No era raro, además, verle pasear con su carretilla para repartir carbón por los establecimientos del barrio. De hecho, Armstrong pasó su infancia, en el 1223 de la calle Perdido, a escasas manzanas de allí. En los difusos años que comprenden el cambio del siglo XIX al XX, el área Perdido-South Rampart fue el vecindario -entre otros muchos- de Jelly Roll Morton, el “inventor” del jazz; de Joe “King” Oliver, maestro de Armstrong y fundador la reputada Creole Jazz Band, o de Nick LaRocca, de la Original Dixieland Jazz Band, primera banda de jazz en grabar un disco. Lo más laureado del jazz de Nueva Orleans. Algunos historiadores han llegado a bautizar este vecindario como el Storyville negro. Por ello, el cruce entre Perdido y South Rampart no es un punto más del callejero de Nueva Orleans, sino que podríamos aventurarnos a describirlo como el verdadero lugar donde surgió el jazz. El blues de la calle Perdido Pues bien, esta zona ha sido literalmente borrada del mapa en el Nueva Orleans del siglo XXI. Pude comprobarlo con mis propios ojos entre lástima, decepción e impotencia durante un viaje realizado este verano en busca de las raíces de la música afroamericana. Para cualquier amante del jazz, entre los que obviamente me incluyo, Nueva Orleans representa un lugar de peregrinaje obligado, una especie de meca musical en la que adentrarse y dejarse sorprender por sus sonidos, sus gentes y su ambiente. Pero al mismo tiempo, uno no era tan ingenuo como para pensar que todavía pervivía ese Nueva Orleans mágico e idealizado que, en ocasiones, se describe los libros o en las películas. Así que un punto intermedio entre ambas imágenes -pensaba yo- podría ser el Nueva Orleans actual. Nada más lejos de la realidad…

Emmanuel Nunes, vanguardia de la música clásica

Está considerado el compositor portugués más importante del siglo XX

 

Emmanuel Nunes con Peter Eotvos, en 1998. / THIERRY MARTINOT (CORDON PRESS)

 

A los 71 años, en París, donde vivía desde mediados de los sesenta, el 2 de septiembre murió Emmanuel Nunes, el compositor portugués más importante del siglo XX, según muchos expertos. Exigente, difícil, exponente de la última música clásica contemporánea, Nunes deja una sesentena de composiciones vanguardistas y un vacío en la cultura portuguesa y europea.

 

 

 

Había nacido en Lisboa (1941), en una familia sin tradición musical. Pero la música le atrajo desde siempre. En un reciente artículo del diario portugués Público se evocaba una vieja entrevista con él en la que se acordaba de pequeño golpeando perolas en la cocina de su casa. Después, gracias a un amigo que trabajaba de electricista, acudió durante su adolescencia a los conciertos del teatro de São Carlos. A los 18 años decidió dedicarse a la composición: “Con una determinación tan grande como mi ignorancia”, recordó muchos años después. Se inscribió en la Academia de Amadores de Música de Lisboa, donde estudió armonía y contrapunto con la musicóloga Francine Benoît.

 

 

'Moisés y Aarón' o el drama de la escucha

Por: EL PAÍS| 07 de septiembre de 2012

Por Mauricio Sotelo

 

“¡Oh, Palabra; tú Palabra, que me has abandonado!” es la frase que como una llama iluminase los ojos del poeta José Ángel Valente el día de nuestro último encuentro en Madrid, poco antes de su fallecimiento en la ciudad de Ginebra el 18 de julio de 2000. La frase, que repetía con insistencia, me daba noticia directa de la valentía y la entereza con la que nuestro gran Poeta, Ensayista y Crítico se enfrentaba a los que sabía con certeza serían ya los últimos días de su vida.

“Muero en posesión de la palabra poética”, me quiso decir con gran orgullo. Con frecuencia se ha adscrito su lírica a la denominada Poesía del Silencio, pero con su voz crítica frente al ejercicio del oficio del arte y de su responsabilidad como ciudadano frente a los hechos del presente y del pasado ganó en España no pocos enemigos. El recuerdo de Valente vibraba inevitablemente hace tres días en la Philharmonie de Berlín sobre la estremecedora resonancia de las últimas notas de la cuerda al final del Acto II del Moisés y Aarón de Arnold Schönberg . Valente me preguntó en aquel ya lejano encuentro si yo recordaba el final de esta Ópera. Del inconcluso monumento sonoro le fascinaba la singular relación que se establece entre el Desierto y la Palabra, quizás tanto como la firmeza y consecuencia con la que el compositor llevo a cabo su proyecto artístico. Como Gustav Mahler, Schönberg decía haber aprendido la lección de no sentirse un alemán, ni un europeo, ni casi ya un ser humano, sino un judío, como escribiera a su amigo Kandinsky en una carta fechada en abril de 1923.

Giacinto Scelsi (1905-1988)

Giacinto Scelsi  (1905-1988)

Giacinto Maria Scelsi (La Spezia, 8 de enero de 1905 — Roma, 9 de agosto de 1988), conde de Ayala Valva, fue un compositor italiano y poeta en lengua francesa. Sus obras musicales más características se basan fundamentalmente en una sola nota, alterada por el tratamiento de sus armónicos y por medio de inflexiones microtonales, tímbricas, dinámicas, de volumen, de densidad, de tempo o de octava. Fue el precursor del espectralismo.

http://es.wikipedia.org/wiki/Giacinto_Scelsi

Issu d’une famille aristocrate italienne, Giacinto Scelsi, compositeur, poète et essayiste, improvise au piano avant d’étudier la composition avec Giacinto Sallustio (à Rome), Egon Koehler (à Genève) et Walter Klein (à Vienne). Ses premières œuvres naissent en 1929 et, dès 1936, il compose des pièces dodécaphoniques. Il voyage en Orient, en Inde et en Afrique, se nourrit de la philosophie bouddhiste, et renouvelle sa technique de composition à partir de 1952. Il travaille alors sur la texture du son, recourt à une harmonie statique avec des fluctuations minimales de timbre et une inflexion microtonale (Quattro pezzi su una nota sola, 1959). Giacinto Scelsi compose pour tous les genres, excepté l’opéra et la scène. Ses œuvres orchestrales, regorgeant de cuivres et de percussions, dégagent une forte puissance sonore et les registres graves sont particulièrement sollicités. Il utilise en outre de nouveaux instruments comme l’ondioline¹, capables de produire des quarts et huitièmes de ton. Rarement jouée auparavant, son œuvre est reconnue depuis les années 1970 et les « Ferienkurse für neue Musik » de Darmstadt de 1982. Citons notamment La nascito del verbo (1948), Wo-Ma (1960), Khoom (1962), Chukrum (1963), Anahit (1965), Konx-Om-Pax (1969), Three latin players (1970), Pranam (1972), In nomine lucis (1974), Un adieu (1988).

Giacinto Scelsi (1905-1988): Quattro pezzi per orchestra

Giacinto Scelsi (1905-1988): Suite for Piano No. 9 ''Ttai''

Khoom

George Crumb (1929) - Compositor y profesor de música estadounidense que se dio a conocer por la utilización de extraños efectos vocales e instrumentales con el fin de conseguir sonoridades desconocidas y penetrantes. Nació en Charleston, Virginia Occidental, donde estudió música. Tras graduarse con un máster en la Universidad de Illinois, se marchó a estudiar a Berlín con el músico Boris Blacher (1954-1955); allí compuso su primera sonata. En 1959 escribió Variación, pieza orquestal con la que se doctoró en composición. Entre 1960 y 1970 realizó una serie de composiciones premiadas en todo el mundo, algunas de ellas inspiradas en el poeta español Federico García Lorca. Su obra Tomes and the River ganó el Pulitzer en 1968, y en 1971 la UNESCO le otorgó el International Rostrum Composers Award. De esa época datan piezas como Songs, Drones and Refrains of Death (1968), Ancient Voices of Children (1970) y Madrigal Books (1965-1969).

En 1971 probó los instrumentos electrónicos con Vox Balaenae, al que le siguieron trabajos como Makrokosmos 1 y 2 (1971-1973) y Music for a Summer Evening (1974), escrita para dos pianos amplificados y percusión. A Haunted Landscape (1984), para piano amplificado y orquesta, evocaba distintos estados de ánimo por medio de intervalos de silencio y el uso de exóticos instrumentos, como gongs. Hasta 1997 se dedicó simultáneamente a la docencia: fue profesor de piano y composición en la Universidad de Colorado y docente invitado en varias universidades de Estados Unidos. Nombrado miembro de la Academia de las Artes y la Música de su país, pertenece asimismo a la Academia Alemana de Arte y a la Sociedad Internacional Cultural de Corea. En 2001 su obra Star Child ganó un Grammy a la mejor composición contemporánea. Trabajos recientes incluyen Mundus Canis (1998), hecha para guitarra y percusión, Eine Kleine Mitternachtmusik (2001), escrita para piano amplificado, Unto the Hills (2002), para cantante, piano y cuarteto de percusión, y Otherwordly Resonances (2002), obra para dos pianos amplificados.

Black Angels (1970)

Black Angels, del compositor norteamericano George Crumb, es uno de los cuartetos de cuerda más singulares de todos los tiempos. // Para empezar es denominado cuarteto de cuerdas electrónico, pues requiere la amplificación de los instrumentos, además del uso de otros elementos sonoros poco convencionales en una pieza de esta naturaleza. // George Crumb le pide a los intérpretes que además de hacer uso de técnicas extendidas de los instrumentos de cuerdas (como tocar con el lado contrario del arco), que toquen algunos instrumentos de percusión, como un gong, tam-tams, copas con agua, maracas, y además de esto que canten y hasta griten (por eso les coloca micrófonos a cada uno). // También cabe destacar que la pieza posee una connotación bien clara, pues se trata de un grupo de piezas fúnebres, danzas, pavanas y trenos o lamentos fúnebres, inspirados en la Guerra de Vietnam, pero también con claras alusiones místicas y religiosas. Como lo dice el blog oficial del compositor, el nombre Black Angels hace referencia a la figura del ángel caído, pero también hay referencias simbólicas a lo largo de la obra, como las escalas descendentes que utiliza (Mi, La y Do#), que según la página del compositor representa los "proféticos" números 7 y 13. Asimismo los músicos entonan una especie de conteos rituales en diferentes lenguas, incluyendo el lenguaje Swahili. // Black Angels también hace uso de la citación musical, utilizando obras como el Cuarteto de Cuerdas No. 14 ("La muerte y la doncella") de Franz Schubert, varias referencias del cántico medieval Dies Irae (Día de ira), el uso del intervalo llamado popularmente Diabolus in musica o Tritono (la cuarta aumentada) y el Il Trillo del Diavolo (el Trino del Diablo) de Giuseppe Tartini.

La obra se divide en 3 movimientos (Salida, Ausencia y Retorno)

Dietrich Fischer Dieskau

Dietrich Fischer Dieskau (1925-2012)

Dietrich Fischer - Dieskau sings "In questa tomba oscura"
by Ludwig van Beethoven
Hertha Klust, piano
1955

Dietrich Fischer-Dieskau - Der Lindenbaum Die Winterreise

Ópera en directo - 28/04-2012

Die Walküre - Wagner

Siegmund.....Frank van Aken (Tenor)
Sieglinde..... Eva-Maria Westbroek (Soprano)
Hunding.....Hans-Peter Konig (Bass)
Wotan.....Bryn Terfel (Baritone)
Fricka.....Stephanie Blythe (Mezzo-Soprano)
Brunnhilde.....Katarina Dalayman (Soprano)
Gerhilde.....Kellie Cae Hogan (Soprano)
Ortlinde.....Wendy Bryn Harmer (Soprano)
Waltraute.....Marjorie Elinor Dix (Soprano)
Schwertleite.....Mary Phillips (Soprano)
Helmwige.....Molly Fillmore (Soprano)
Seigrune.....Eve Gigliotti (Mezzo-Soprano)
Grimgerde.....Mary Ann Mccormick (Mezzo-Soprano)
Rossweisse.....Lindsay Ammann (Mezzo-Soprano)

New York Metropolitan Opera Orchestra
New York Metropolitan Opera Chorus
Fabio Luisi.....Conductor.
Live from The Met

April 28, 2012