1959, Nueva York: un año de jazz (I)

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1959, Nueva York: un año de jazz (I)   Por Fernando Ortiz de Urbina Como no dejan de recordarnos las discográficas, éste es un año de grandes cincuentenarios para el jazz: Kind of Blue, la llegada de Ornette a Nueva York, The Shape of Jazz to Come, Giant Steps… En esta ocasión no se equivocan: 1959 fue un año singular en la historia del jazz, se mire por donde se mire. En 1959 Estados Unidos era el país más poderoso del mundo con diferencia, aunque es posible que sólo lo supiera a ciencia cierta la cúpula del PCUS en Moscú. La segunda y última legislatura de Eisenhower se acercaba a su fin, una época de crecimiento económico sin parangón en la historia mundial, en la que los guardianes del “mundo libre” llegaron a acaparar un tercio de la productividad industrial del planeta. Por ese motivo, y por la poderosa propaganda del cine y la televisión, la imagen tópica del decenio de los cincuenta en EE. UU. tiene un deje conservador y materialista, adornado por la llegada del rock’n’roll y la aparición del adolescente como nuevo segmento consumidor. Esa primera remesa de jovencitos con poder adquisitivo y una industria del ocio a su servicio -la primera generación sin un recuerdo propio de la Segunda Guerra Mundial- no tardaría en cambiar la cultura popular de su país y del mundo entero. No obstante, desdeñar los años cincuenta de plano sería un error. La generación que sí vivió la Segunda Guerra Mundial o la de Corea, cuya infancia estuvo marcada por la Gran Depresión y el desastre agrícola de la década de los treinta, llegó ya madura a esta época de bonanza económica en la que el índice Dow Jones alcanzó un máximo histórico el último día de 1959 y, a pesar de su aparente conservadurismo ­­-en la vestimenta, en los modales-, era muy capaz de lanzar alegatos aterradoramente visionarios contra la amenaza estultificante de la televisión (el discurso de Ed Murrow que abre y cierra Buenas noches y buena suerte, de 1958) o el excesivo poder de la industria armamentística (el Presidente Eisenhower, General y republicano, en su discurso de despedida de 1961). El último año de los cincuenta fue especial desde el primer día: el 1 de enero se afianzaba el cambio de régimen en Cuba. Aparte de implantarse firmemente el comunismo en el vecindario de EE. UU., en poco más de dos años la isla sería el escenario del peor momento de tensión de una era en que la amenaza de una guerra nuclear estaba muy presente en el imaginario popular. Por otra parte, 1959 también es el año del nacimiento de la muñeca Barbie. En Nueva York, en la Quinta Avenida frente a Central Park, se inauguraba el Museo Guggenheim, meses después de la muerte de Frank Lloyd Wright. En cuanto a la música “culta”, Leonard Bernstein dirigía la Filarmónica de Nueva York (con la que giró en la Unión Soviética ese mismo año) y por los auditorios de la ciudad desfilaron Heitor Villa-Lobos, Artur Rubinstein, Claudio Arrau y los españoles Andrés Segovia, Nicanor Zabaleta y Victoria de los Ángeles. Los teatros de la ciudad vieron pasar a Paul Newman (Dulce pájaro de juventud de Tennessee Williams), Sidney Poitier y George C. Scott. Sobre las tablas neoyorquinas pasó también Judy Holliday, quien iniciaría una intensa relación con Gerry Mulligan, a la vez que se estrenaban dos musicales significativos para el jazz: Free and Easy y The Sound of Music (Sonrisas y lágrimas). El primero cerró la carrera de Harold Arlen (Blues in the Night, Come Rain or Come Shine) y además propició la formación de la big band de Quincy Jones, una selección exquisita de músicos con base en la ciudad, que sería un éxito en lo musical y un fracaso en lo económico. De Sonrisas y lágrimas Columbia publicó el correspondiente elepé con el reparto original, con una canción, My Favorite Things, que sería un hito para John Coltrane un par de años después. Lejos de las luces de Broadway, se presentó una obra de teatro experimental sobre la adicción a la heroína, The Connection, en la que participaban músicos de jazz, con Jackie McLean al frente. En los cines se estrenaron Ben-Hur, North by Northwest (Con la muerte en los talones), La Bella Durmiente, Con faldas y a lo loco, Anatomía de un asesinato y Odds agains Tomorrow (inédita en España) [*] las dos últimas con bandas sonoras de Duke Ellington y John Lewis respectivamente. Para seguir leyendo: http://cuadernosdejazz.com/index.php?option=com_content&view=article&id=1720

Los daños mortales de la fe religiosa – Entrevista a Sam Harris

http://bibliotecaesceptica.wordpress.com/2009/03/18/los-danos-mortales-de-la-fe-religiosa-entrevista-a-sam-harris/

Thomas May entrevista para Amazon.com al filósofo de Stanford Sam Harris, autor de una demoledora crítica de la fe religiosa que se ha convertido en un bestseller en EEUU.

Poco tiempo antes del nacimiento de Cristo, en una época violenta y desquiciada, el poeta romano y filósofo epicúreo Lucrecio escribió una obra maestra monumental titulada De Rerum Natura (“De la naturaleza de las cosas”). Uno de sus objetivos era liberar a la humanidad de las supersticiones religiosas que impedían lograr la verdadera paz del alma y la felicidad, según creía el poeta. En el libro que presentamos -The End of Faith: Religión, Terror and the Future of Reason [El final de la fe: religión, terror y el futuro de la razón]- Sam Harris juega el papel de un Lucrecio actual. Estudió filosofía en Standford y actualmente es candidato a obtener un doctorado en neurociencia. Harris es muy consciente de que un libro sobre los daños inherentes de la religión institucionalizada y dogmática pueden despertar muchas controversias; pero escribió su libro con una sensación de urgencia ante lo que considera la mayor amenaza actual. En el libro es una argumentación sobre el carácter dogmático de la fe en contraposición con el misticismo, sobre el papel que juega la razón en el lenguaje civil y su esperanza de que los humanos logren superar su propensión a la violencia religiosa, antes de que sea demasiado tarde

- Es obvio que hay algo en la arquitectura cognitiva humana que nos lleva a albergar creencias sobre un ser trascendente. ¿Cómo puede explicarlo, teniendo en cuenta su propio trabajo en neurociencia?

El fresco de La Dormición de María en la iglesia de la Stma. Trinidad de Sopoçani a la luz de tres apócrifos asuncionistas

José María Salvador González

Universidad Complutense de Madrid

http://www.ucm.es/info/especulo/numero47/dormicion.html

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Resumen: Uno de los frescos mas representativos del arte bizantino es, sin duda, el de la Dormición (Koimesis) de la Virgen María en la iglesia monástica de la Santísima Trinidad en Sopoçani (Serbia). Ejecutado hacia 1265 por algunos de los mejores pintores griegos venidos a Serbia en una segunda oleada de artistas, ese fresco muestra la pervivencia de la estructura iconográfica y conceptual proveniente de algunas fuentes apócrifas asuncionistas, según las diversas versiones que de ellas hicieron distintos manuscritos de antigua data. En el caso del mural de Sopoçani resultan, a todas luces, insoslayables las versiones producidas en los manuscritos asuncionistas pertenecientes a los grupos griego, latino y eslavo. Ahora bien, teniendo en cuenta la extrema abundancia y heterogeneidad de tales fuentes, la presente comunicación se restringe al análisis de tres relatos apócrifos, el Libro de San Juan Evangelista (llamado el Pseudo Juan el Teólogo, datable hacia el siglo IV), el Libro de Juan, arzobispo de Tesalónica (fechable hacia inicios del siglo VII) y el mucho más tardío y ecléctico Libro del Pseudo José de Arimatea, con el propósito de mostrar si y en qué medida la Dormición de Sopoçani refleja o ilustra en sus elementos iconográficos alguna de las afirmaciones contenidas en esos tres textos apócrifos.

La Dormición o Koimesis de la Virgen María constituye un tema iconográfico de típica raigambre bizantina, [1] cuyos primeros ejemplos conocidos -ciertos iconos evorarios, [2] e incluso algunos frescos en iglesias rupestres de Göreme, Capadocia, como el de la célebre Tokale kilise [3]- datan del siglo X, si bien el tema alcanzará desde la centuria siguiente una extraodinaria difusión y arraigo a todo lo largo y ancho de los territorios bajo influencia política y cultural de Bizancio, en una vasta secuencia de frescos, tablas, marfiles y otros productos pictóricos o relivarios.

La iconografía bizantina de la Koimesis se inspira en una amplia y heteróclita serie de leyendas orales, recogidas luego en textos apócrifos de diverso origen lingüístico-cultural (datables desde al menos el siglo IV), [4] los cuales fueron, a su vez, subsumidos en parte y readaptados de forma substancial por algunos Padres de la Iglesia, por muchos teólogos, apologetas, himnógrafos, predicadores y otras autoridades doctrinarias del cristianismo oriental, como el arzobispo Juan de Tesalónica y San Juan Damasceno. Así, sobre los escurridizos cimientos de las acríticas fábulas apócrifas, reforzados luego por “racionales argumentos” de los teólogos y panegiristas marianos, se construirá en el ámbito bizantino una espectacular iconografía de la Dormición de la Theotókos, tema éste que, como destaca Tania Velmans, se hará casi obligatorio en el arte bizantino a partir del siglo XI. [5]

Los 54 músicos mas importantes de la historia del Jazz: Chet Baker

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Diseño e ilustración by ©KUTO



Chet Baker

Yale, USA 1929/Amsterdam, 1988

Trompeta; Voz.

Nico, el amigo del gran programa de jazz La Quinta Disminuida piensa que la lista de “los 54 mas grandes del jazz” esta cargándose en demasía hacia el color negro. Tiene razón, pero todo se debe a una coincidencia provocada por el criterio de subir, primero, a los “incontestables del jazz”, que como todos sabemos, son casi todos negros. Como aquí odiamos las discriminaciónes (de cualquier tipo) vamos a romper esa tendencia subiendo a un indiscutible del jazz, que en términos de color, era mas blanco que la leche.

Se trata de Chet Baker, el trompetista mas lirico que ha existido en la historia del jazz.

Biblioteca virtual: Especial Ton Sharpe

Porterhouse es un college de Cambridge que, si nunca se ha distinguido por su buen nivel académico, destaca, en cambio, por su excelente cocina y por la sospechosa facilidad con la que “expenden” títulos universitarios. De hecho, su decadencia empezó cuando uno de sus administradores dilapidó los bienes de Porterhouse en Montecarlo, lo que obliga a que su subsistencia se base en donaciones con las que los padres de los alumnos logran que estos ingresen y se gradúen. Mas he aquí que, en tan anticuada y sobornable institución, aparece un nuevo rector, un ex político bastante ñoño, pero con espíritu reformista, que decide darle aires nuevos a Porterhouse, sin saber que con su actitud puede dar al traste con los sucios manejos a los que el college está acostumbrado. El zafarrancho está servido. Tom Sharpe, con su maestría habitual, manejará los hilos de la trama de modo que se vaya preparando el desastre, ¡y qué desastre! El nuevo rector tendrá que enfrentarse a las fuerzas vivas de la oposición reaccionaria, representadas por un enemigo nada pequeño: el portero del college, un clásico personaje de Sharpe que, a la manera de Blott, luchará con todas sus fuerzas para impedir que las cosas cambien, por el “buen” nombre de la casa.

Los lectores de ZAFARRANCHO EN CAMBRIDGE recordarán que Poterhouse era un college que nunca se distinguió por su nivel académico, pero donde la cocina era excelente y no era muy difícil conseguir un título. Ahora, unos años después, todo sigue poco más o menos como entonces, pero ciertos nubarrones se ciernen en el horizonte. La viuda de Sir Godber Evans, un rector bienintencionado pero un tanto gilipollas, está convencida de que su marido fue asesinado y crea una nueva cátedra, cuyo titular será en realidad un infiltrado que deberá desentrañar el misterio de la muerte de Sir Godber. Un misterioso magnate americano quiere hacer una suculenta donación que podría salvar a Portehouse de la ruina. Pero los profesores del college saben que nadie da nada por nada, y están bien preparados para sobrevivir a las batallas que agitarán aún más la vida de Cambridge.»

El bastardo recalcitrante – Tom Sharpe

Lockhart Flawse, hijo ilegítimo cuya madre murió al darle a luz sin confesar jamás quién era el padre -y que tal vez sea el producto de un incestuoso encuentro a oscuras entre padre e hija-, vive con su abuelo -y quizá padre-, vejete intensamente verde y torturado por impulsos sexuales incontenibles. Lockhart no existe legalmente, pues no está inscrito en ninguna parte, y su abuelo ni siquiera le llama por su nombre, sino que le denomina «el bastardo». El niño crece inocente de cuerpo y alma en las montañas de Escocia, amparado por un extraño mayordomo, pastor y único sirviente de la mansión, un personaje de la misma raza que el protagonista de El temible Blott. Pasan los años, y el abuelo decide hacer un crucero con un doble objetivo: conseguir una mujer (la última ama de llaves y compañera de cama le ha abandonado) y, si es posible, deshacerse del bastardo. El viaje resultará un éxito, pues el abuelo conseguirá casar a Lockhart con la bella Jessica Sandicott y él mismo (a los noventa años bien cumplidos) se casará con la ambiciosa y despiadada madre de la joven.

El temible Blott – Tom Sharpe

Como escribió Michael Barber, el cada vez más popular Sharpe acredita ser un virtuoso de la novela cómica, más brutalmente divertido que cualquier escritor inglés, como comprobarán los lectores de esta novela, en la que los cataclismos se suceden a un ritmo digno de los hermanos Marx. En el reparto figuran una formidable y riquísima aristócrata rural, Lady Maud, y su codicioso marido, Sir Lynchwood, ferviente adicto a adúlteras prácticas masoquistas, que quiere posesionarse de sus propiedades; un jardinero, el temible Blott, de complicados orígenes, que ama tanto a Lady Maud como odia a su marido; una autopista que debe trinchar la casa solariega según los deseos de Sir Lynchwood y conmociona la plácida vida local; un funcionario del gobierno, enviado como mediador ante la magnitud de los incidentes provocados por Lady Maud, quien es narcotizado, fotografiado en poses obscenas y sometido a toda clase de sevicias hasta que se decide a desencadenar su propia furia vengadora.

Exhibición impúdica – Tom Sharpe

Nos encontramos en la República de Zululandia, en Sudáfrica, donde conviven pacíficamente los nativos zulúes con los afrikaners o boers (africanos blancos) y los ingleses. El jefe de la policía de Piemburgo, capital de Zululandia, el Kommandant Van Heerden, está decidido a convertirse en un verdadero caballero inglés. Los cambios que irá sufriendo, provocarán la curiosidad de su segundo, el Luitenant Verkramp, quien detesta casi con la misma fuerza a los ingleses y a los negros, a los que denomina cafres. Erradicar las relaciones de las zulúes con los afrikaners será su gran objetivo, para lo cual llevará a cabo una serie de estrategias. Todo ello sin perder de vista a su superior. La mejor novela de Sharpe y la más divertida y desquiciada. Increíble imaginación y un enorme talento para el humor los de este autor inglés que escribe sobre lo que conoce.

Reunión tumultuosa – Tom Sharpe

Irresistible, tronchante, desopilante, desenfrenada, salvajemente cómica: todos los calificativos aplicados a Wilt, la novela de Tom Sharpe llevada al cine, son aplicables en igual o mayor medida a Reunión tumultuosa. En esta novela, situada en África del Sur, cuando la señorita Hazelstone, de la mansión Jacarandá Park, mata a su cocinero zulú en un sensacional crimen pasional, no tardan en aparecer en escena los gallardos agentes de la policía local: el Kommandant van Heerden, cuyo secreto anhelo de ser un gentleman inglés da lugar al más memorable trasplante de corazón jamás visto; el Lieutenant Verkramp, de la brigada de seguridad, infatigable en la caza del comunista; el Konstabel Els, tan propenso a disparar primero sin luego pensar más en ello, como a un tipo de relación con las mujeres africanas que la ley «aconseja» reservar a los varones de la misma raza. En el curso de los abracadabrantes acontecimientos que se van sucediendo, asistimos a algunas perversiones realmente inauditas, desde el encierro del Kommandant en la sorprendente alcoba, totalmente de caucho, de la señorita Hazelstone hasta el singular destino del hermano de ésta, el benemérito obispo de Barotseland, condenado a morir ahorcado.

Pintura: Hans Memling

Por los mares virtuales... Excelente trabajo recopilatorio en:

http://www.foroxerbar.com/viewtopic.php?f=53&t=11358

Memling, Hans

La Virgen y el niño entre dos ángeles. Tabla. 36 x 26 cm. Museo del Prado. Hans Memling

Bode-Museum
Do 25. August - So 20. November 2011

http://www.smb.museum/smb/kalender/details.php?objID=17220&typeId=10

Gesichter der Renaissance.
Meisterwerke italienischer Portrait-Kunst

Unter dem Titel "Gesichter der Renaissance" veranstalten die Gemäldegalerie und das Metropolitan Museum of Art eine Publikumsausstellung zur frühen Entwicklung des italienischen Porträts. Mit dem neu eröffneten Bode-Museum, das Wilhelm von Bode als das Berliner "Renaissance-Museum" auf der Museumsinsel konzipierte, verfügt die Hauptstadt über einen idealen Ort für dieses Vorhaben; anschließend wird die Ausstellung im Metropolitan Museum gezeigt. Das Projekt steht unter der Schirmherrschaft des Auswärtigen Amtes der Bundesrepublik Deutschland.

Veranstalter:

Gemäldegalerie

El exilio del hombre es la ignorancia, su patria es la sabiduría, a la que se llega por las artes liberales, como por otras tantas ciudades.

HONORIO DE AUTÚN (1090-1152):

EL EXILIO Y LA PATRIA DEL ALMA,

O SOBRE LAS ARTES1

Traducción de César Raña Dafonte (Universidad de Santiago de Compostela)2

PRÓLOGO [1241D]

A Tomás que ha obtenido por suerte el honor de un nombre apostólico, adornado con los muchos dones de la Sabiduría3, Honorio que mereció vislumbrar en la gloria del Padre a aquel a quien el escéptico Tomás mereció tocar en la tierra.

Dado que con mirada atenta observas a muchos que desean con gran nostalgia la patria, y, sin embargo, aprecias que avanzan por rutas extraviadas al desconocer el camino; me exhortas, varón óptimo, a mi, como experto en las rutas, a que les indique el camino, y les designe por escrito los caminos más adecuados: a fin de evitar que, extraviándose [1242D] del camino verdadero, se retrasen por haberse desviado y se alejen más de la patria; como en otro tiempo [los judíos] después de salir de Egipto 4, y, dirigiéndose hacia la patria no sólo con pasos corporales, sino también con el corazón, anduvieron errantes por el desierto, y de ningún modo llegaron a la patria deseada. Ahora bien, yo, no me apropiaré del camino con la envidia que destruye, sino que intentaré buscar con diligencia las cosas piadosamente aconsejadas y conduciré a los que se esfuerzan por lugares que no conocen, a la patria verdadera, y abandonaré en las tinieblas del error a los celosos, a los envidiosos, a los corruptos de corazón, por ser indignos de la patria. [1243A] También tú, iluminado por el estudio, ve delante de los perezosos, empuja a los negligentes, obliga a los que no quieren: lleva con ánimo a los que quieren y no pueden por un camino placentero a la patria deseada: y rechaza a los hijos, mejor dicho, siervos de la envidia, incluso si rivalizan por seguir, y libra al justo de los perros y quita las

perlas a los cerdos5.

Pensamiento - Entrevista con Henri Bergson en 1911.

 «Je n'ai pas de système»

LES GRANDS ENTRETIENS DE L'ÉTÉ. Le 19 août 1911, l'auteur du «Rire» recevait à son domicile d'Auteuil un critique parisien. Une rencontre exceptionnelle pour un penseur qui fuyait la presse et le tapage fait autour de son nom

Henri Bergson né en 1859 à Paris, est un philosophe français. Refusé par la Sorbonne, il entre au Collège de France en 1900 et sera élu académicien en dépit d'une violente campagne de la revue «l'Action française». Longtemps tenté par une conversion au christianisme, il y renoncera à la fin des années 1930 afin, écrit-il, de «rester parmi ceux qui seront demain des persécutés». Il meurt en 1941 et laisse entre autres ?oeuvres majeures: «Matière et Mémoire» (1896), «le Rire» (1900), «l'Evolution créatrice» (1906) et «les Deux Sources de la morale et de la religion» (1932). (c) SIPA

Mayuko Kamio | Tchaikovsky: Violin Concerto | 3rd mvt.

Entrevista con Jonathan Franzen: «La classe moyenne américaine est un summum de vacuité»

http://bibliobs.nouvelobs.com/romans/20110817.OBS8685/la-classe-moyenne-americaine-est-un-summum-de-vacuite.html

Un an après avoir fait la couverture du magazine «Time», Jonathan Franzen publie «Freedom», sans aucun doute l'événement de cette rentrée. Dans un (très) long entretien, il nous parle de la célébrité, de la dépression des classes moyennes, des années Bush, de Twitter... et de littérature.

Jonathan Franzen (Sipa)

Combien d'écrivains, dans l'histoire du magazine «Time», ont eu les honneurs de sa couverture ? Une poignée : Salinger, Nabokov, Updike ou encore, plus récemment, Toni Morrison et Stephen King. C'est pourquoi le choix de Jonathan Franzen, 51 ans, pour succéder à ces prestigieux confrères fit l'effet d'une bombe dans les cercles littéraires américains. Plébiscité en 2001 pour son roman « les Corrections », Franzen n'avait encore publié que six ouvrages. De là à être considéré comme un nouveau Faulkner...

Il est vrai que Franzen n'était pas complètement inconnu du grand public. Son roman « les Corrections » avait obtenu le National Book Award et la star de la télé américaine, Oprah Winfrey, avait chaleureusement recommandé le livre. Effet stratosphérique garanti sur les ventes. Un mot malheureux de Franzen sur les choix littéraires « à l'eau de rose » de la reine Oprah fit encore monter la température, celle-ci le désinvitant de son show. La presse tabloïd vilipenda l'écrivain « élitiste »... Depuis les frasques de Norman Mailer, on ne s'était jamais autant amusé dans les milieux littéraires outre-Atlantique !

Cantigas de Santa María de Alfonso X El Sabio

Entrevista - Hervé Fischer: "Tenemos que denunciar el cinismo de Facebook y la ingenuidad de sus usuarios"

 

Los grises de la e-administración, los riesgos de perder la privacidad, la fragilidad de la memoria y la necesidad de apostar a una ética planetaria, en esta entrevista con el pensador francocanadiense, que visitó la Argentina. "Para controlar el poder digital necesitaremos una nueva mutación de la especie humana", dijo.

POR Horacio Bilbao-

http://www.revistaenie.clarin.com/ideas/facebook-open-data-siga2011-herve-fischer-hiperhumanismo_0_534546796.html

E-GUTENBERG. "El libro electrónico progresa sólo porque imita mejor al buen viejo libro de papel", dice el francés Hervé Fischer.

 

Facebook es una moda pasajera y es inminente su declinación. Frente al avance irrestricto de la tecnología en nuestras vidas necesitamos de una nueva evolución... Quien habla es Hervé Fischer. Y sus declaraciones son toda una provocación. Un llamado a la reflexión. Incluso aquí, en Buenos Aires, este francocanadiense les enrostró a una veintena de funcionarios locales de Open data y gobierno abierto, que la e-administración no vale nada para los pobres. De allí que algunos lo llamen agitador. Pero sus posiciones son serias. Defiende, por ejemplo, la necesidad de un híperhumanismo, una ética planetaria frente la inercia de la fragmentación y la ruptura del sentido que arrancó con las posmodernidad y que se potenció formalmente a partir de la última revolución tecnológica. Frente al determinismo, antepone la voluntad humana, fundamental para afrontar el cambio de paradigma en el acceso y producción de conocimiento. Artista y filósofo, dueño de un currículum amplísimo, Fischer (París, 1941) ha publicado una veintena de libros entre los que se encuentran Los desafíos del cibermundo, La declinación del imperio de Hollywood y El choque digital. Invitado a participar de un Seminario internacional de periodismo digital en la Universidad Nacional de Rosario y de la Semana Internacional de Gobierno Abierto (Siga2011) que desarrolló en el microcentro porteño la semana pasada, contestó estas preguntas entre viaje y viaje, en su enésima visita a nuestro país.

De manera provocativa, ha dicho que la e-administración no vale nada para los pobres ¿significa esto que la doble administración será necesaria por siempre?

Claro que lo he dicho por provocación. Pensar en una e-administración global, para todos, es un sueño. No se puede pensar hoy de manera realista que una administración digital incluya todos los trámites. Inevitablemente se fragmenta. La idea de totalidad es pura utopía. Por el momento se puede decir que la doble administración tendrá que seguir dos generaciones más, como mínimo. Todavía hoy la mayoría de los ciudadanos no tiene computadora ni acceso a Internet.

Biblioteca virtual: El martillo de las brujas – Malleus Maleficarum

El Malleus Maleficarum (del latín: Martillo de las Brujas), es probablemente el tratado más importante que se haya publicado en el contexto de la persecución de brujas y la histeria brujeril del Renacimiento. Es un exhaustivo libro sobre la caza de brujas, que luego de ser publicado primeramente en Alemania en 1486, tuvo docenas de nuevas ediciones, se difundió por Europa y tuvo un profundo impacto en los juicios contra las brujas en el continente por cerca de 200 años. Esta obra es notoria por su uso en el período de la histeria por la caza de brujas que alcanzó su máxima expresión desde mediados del siglo XVI hasta mediados del XVII.

El Malleus Maleficarum o martillo de las brujas fue compilado y escrito por dos monjes inquisidores dominicos, Heinrich Kramer y Jacob Sprenger, quienes aseguraron en el libro que les habían sido otorgados poderes especiales para procesar brujas en Alemania por el Papa Inocencio VIII, por medio de un decreto papal del 5 de diciembre de 1484; pero este decreto había sido emitido antes de que el libro fuese escrito y antes de que sus planeados métodos fueran dados a conocer.

Kramer y Sprenger presentaron el Malleus Maleficarum a la Facultad de Teología de la Universidad de Colonia el 9 de mayo de 1487, esperando que fuese aprobado, en cambio, el clero de la Universidad lo condenó, declarándolo tanto ilegal como antiético. Kramer, no obstante, insertó una falsa nota de apoyo de la Universidad en posteriores ediciones impresas del libro. La fecha de 1487 es generalmente aceptada como la fecha de publicación, aunque ediciones más tempranas de la obra pudieron haber sido producidas en 1485 o 1486. La Iglesia proscribió el libro poco después de la publicación. A pesar de esto entre los años 1487 y 1520, la obra fue publicada 13 veces. Después de unos 50 años, fue nuevamente publicada, entre 1574 y la edición de Lyon de 1669, un total de 16 veces. La supuesta aprobación que aparece al inicio del libro contribuyó a su popularidad, dando la ilusión de que se le había otorgado un respaldo garantizado.

Pensamiento, estética. Reflexiones en torno al origen de la creación pictórica de Miquel Barceló, por NASINI, Belén

Artículo publicado en la Revista Bajo Palabra Revista de Filosofía II Época, Nº 5 (2010): 107-114.

Para leer el artículo completo:

http://www.redjif.org/bp/index.php?option=com_resource&controller=article&article=334&category_id=21&Itemid=118

Resumen. El presente artículo tiene por objeto esclarecer la cuestión del origen de la creación pictórica de Miquel Barceló mediante tres ensayos sucesivos, a saber: (1) la relación dialéctica entre la obra y la experiencia vital del artista; (2) la influencia velada que la lógica del museo ejerce sobre el inconsciente del artista según Groys; (3) la búsqueda del origen de la obra de arte en el propio arte según Heidegger. De entre los tres, nos inclinaremos por este último, que trasciende la biografía y la psicología del artista.

La flaque, 1989.

Heidegger entiende la esencia de la obra de arte como acontecimiento de la verdad. La verdad es lo que propiamente obra dentro de la obra, pues en ella se ilumina la verdad de lo ente. Como vimos, la obra de arte abre un mundo, y mediante tal apertura lo ente sale a la luz en su verdad. Pero, a su vez, esta apertura trae a la luz un fondo oscuro, cerrado en sí mismo, impenetrable, sobre el cual el mundo abierto se levanta, un fondo al que Heidegger denomina, por oposición a la apertura del mundo, tierra. Así pues, la obra erige un mundo, y "un mundo hace mundo"13, dice Heidegger, lo cual quiere decir que "todas las cosas reciben su parte de lentitud o de premura, de lejanía o proximidad, de amplitud o de estrechez"14, esto es, que las cosas comienzan a ser ellas mismas en su verdad, en virtud de tal apertura. Recordemos que el hombre, en tanto que ex-sistencia, el Dasein, es ser-en-el-mundo, ser que mora en la apertura del Ser, cuya autenticidad consiste en permanecer a la escucha del Ser mismo, en su cuidado, como pastor del Ser que es. Pero, a la vez, la obra trae aquí la tierra en tanto que se retira en ella, tierra sobre la cual y en la cual el hombre histórico funda su morada en el mundo. Mundo y tierra, pues, constituyen un par de opuestos intrínsecamente entrelazados.

Otros enlaces:

http://www.miquelbarcelo.com/vida_ok.php?Cat=3&Menu=&Tipo_obra=&Codnot_al=3&Codimg_al=1275&Codnot=25&Tit=1989

Web de la fundación Juan March:

http://www.march.es/arte/coleccion/obras/barcelo.aspx

Anna Maria Jopek & Pat Metheny: Live In Warsaw

Historia de un disco: Miles Davis, Kind of blue (1959)

 

Pistas: 1.-So What 2.-Freddie Freeloader 3.- Blue in Green

4.- All Blues 5.- Flamenco Sketches 6.- Flamenco Sketches
(alternate take)

Miles Davis (t)

John Coltrane (st)

Paul Chambers (b)

Bill Evans (p,1,3,4,5)

Jimmy Cobb (d)

Julian “Cannonball” Adderley (sa,1,2,4,5)

Wynton Kelly (p,2)

‘Kind of blue’ es uno de los mejores discos de la historia. Una

obra maestra enigmática y sensual con la que Miles Davis reinventó el jazz. Cincuenta años después, se reedita un clásico imprescindible.

Ocurrió en 1987. El presidente Reagan entregaba un reconocimiento oficial por toda su carrera a Ray Charles y convocó a ilustres afroamericanos. En la Casa Blanca se presentó Miles Davis, ajeno a toda etiqueta: pantalones negros de cuero, un chaleco encima de otro, chaqueta de esmoquin con una serpiente roja en la espalda.

Cualquier otro sexagenario habría sido arrestado por hortera; él estaba por encima de semejantes consideraciones.

CINCUENTENARIO DE LA MUERTE DE DASHIELL HAMMETT

La estrategia Bartleby

JUSTO NAVARRO 06/08/2011

http://www.elpais.com/articulo/portada/estrategia/Bartleby/elpepuculbab/20110806elpbabpor_53/Tes

El senador Joseph McCarthy toma juramento al escritor Dashiell Hammett ante el comité de investigación anticomunista.- HANK WALKER / GETTY IMAGES

"Daría mi vida por lo que creo que es la democracia", afirmó Dashiell Hammett, perseguido y encarcelado por comunista, saboteador, espía... El escritor, fallecido hace 50 años, sufrió tres penosos interrogatorios en 1951 y 1953 que ahora se reúnen en un libro junto a su excepcional relato Sombra en la noche.

Hará ahora sesenta años, el 9 de julio de 1951, Dashiell Hammett, fundador de la novela negra, estaba citado como testigo en un juicio del que salió sentenciado a seis meses de cárcel. El tribunal consideraba el caso de Gus Hall, comunista, condenado con otros correligionarios por conspiración para derribar al Gobierno de los Estados Unidos de América. Hammett, como presidente del Congreso para los Derechos Civiles, había sido uno de los garantes de las fianzas de los once acusados, cuatro de los cuales se dieron a la fuga. Sobre el juicio contra los once comunistas, Hammett había hablado en 1950, en el último escrito que publicó: no le parecía un juicio penal ordinario, sino un juicio político que, a partir de una acusación política, había concluido con un veredicto político.

Una pincelada de... : Homero, La Odisea

CANTO X

LA ISLA DE EOLO.

EL PALACIO DE CIRCE LA HECHICERA

Arribamos a la isla Eolia, isla flotante donde habita Eolo Hipótada[SC1] , amado de los dioses inmortales. Un muro indestructible de bronce la rodea, y se yer­gue como roca pelada.

«Tiene Eolo doce hijos nacidos en su palacio, seis hijas y seis hijos mozos, y ha entregado sus hijas a sus hijos como esposas. Siempre están ellos de banquete en casa de su padre y su vene­rable madre, y tienen a su alcance alimentos sin cuento. Du­rante el día resuena la casa, que huele a carne asada, con el so­nido de la flauta, y por la noche duermen entre colchas y sobre lechos taladrados junto a sus respetables esposas. Conque lle­gamos a la ciudad y mansiones de éstos. Durante un mes me agasajó y me preguntaba detalladamente por Ilión, por las na­ves de los argivos y por el regreso de los aqueos, y yo le relaté todo como me correspondía. Y cuando por fin le hablé de vol­ver y le pedí que me despidiera, no se negó y me proporcionó escolta. Me entregó un pellejo de buey de nueve años que él había desollado, y en él ató las sendas de mugidores vientos, pues el Cronida le había hecho despensero de vientos, para que amainara o impulsara al que quisiera. Sujetó el odre a la curvada nave con un brillante hilo de plata para que no escaparan ni un poco siquiera, y me envió a Céfiro para que soplara y con­dujera a las naves y a nosotros con ellas. Pero no iba a cum­plirlo, pues nos vimos perdidos por nuestra estupidez.

Obra invitada en el Prado: Caravaggio, El Descendimiento

Psicología y monumentalismo en Caravaggio

El 1 de septiembre de 1604 Michelangelo Merisi da Caravaggio se disponía a mostrar su última obra, una visión del Descendimiento. Las aceradas críticas que muchos de sus lienzos de género religioso solían recibir, siendo calificados de “poco espirituales”, le hacían estar preparado para cualquier reacción. A los treinta y tres años, su carácter conflictivo alcanzaba no pocas facetas de su vida. Se llevó, al menos en esta ocasión, una sorpresa, porque sus coetáneos admiraron sin fisuras la composición, algo que sitúa la pieza entre las más sorprendentes de su extraordinaria producción artística. Hoy podemos contemplar ese cuadro por primera vez en España. Con motivo de visita de Benedicto XVI a nuestro país para presidir los actos centrales de la Jornada Mundial de la Juventud, los Museos Vaticanos lo han cedido para su exposición temporal en el Museo del Prado, donde forma parte del itinerario temático organizado en torno a las pinturas sobre Cristo en la pinacoteca.

Entrevista con Mario Muchnik, editor.

Editor. Es uno de los editores más brillantes del último medio siglo y ha publicado ahora sus memorias. Hoy recuerda con cariño a los grandes amigos y con saña a los grandes mediocres. Añade una profecía: el libro sobrevivirá a los juguetitos que se le parecen, porque está mejor inventado.

“Las editoriales tienen hoy el aspecto de los hospitales”

Sobre la mesa baja del salón de Mario Muchnik, un periódico y un ejemplar de El dinero y las palabras de André Schiffrin, el gran editor francés. Mario aparece con sus sempiternos tirantes y con ademán enérgico se pone las gafas: “Ahora ya soy yo”, bromea, y comienza la conversación. Ha publicado Oficio editor en Aleph, la que fuera su editorial (Muchnik Editores) antes de numerosas transformaciones. El libro habla de las mutaciones del oficio a lo largo de los años. Pretende ser una piedra de toque para todos los editores y, al mismo tiempo, una obra que explique al lector cómo se hacen los libros y a qué problemas se enfrentan en nuestros días.

Frederic Spotts, la estética y la barbarie

El ensayo «Hitler y el poder de la estética», del norteamericano Frederic Spotts, investiga las relaciones del dictador alemán con el mundo de las artes

 

Hitler junto a las nietas de Wagner en una foto de 1936

 

«Las guerras van y vienen; únicamente perviven los logros culturales». La frase, por extraño que parezca, es de Adolph Hitler. No solamente en sus años juveniles, en los que abrigó el sueño de ser pintor, sino también cuando sus ejércitos le otorgaban el poder sobre media Europa, Hitler se sintió siempre más un artista que un político. Thomas Mann, uno de sus primeros y más clarividentes críticos, intuyó desde el principio que el auge del «fenómeno Hitler» tenía una fuerte connotación estética. Los discursos del futuro dictador, sus gestos, así como toda la parafernalia nazi –los símbolos, los uniformes, los desfiles, las espectaculares concentraciones…– eran los elementos de una puesta en escena casi operística que ocultaba la vacuidad de su mensaje apelando a la emotividad y al subconsciente del espectador.

121 sosies d'Hemingway...

Comme chaque été depuis 31 ans, le concours du meilleur sosie d'Ernest Hemingway a réuni une bonne centaine de participants sur l'île de Key West, en Floride, du 21 au 24 juillet.

Concours du meilleur sosie d'Ernest Hemingway (c) AFP photo

Non, en dépit des apparences, ce n’est pas un défilé de Pères Noël. Ces souriants papis à barbes blanches et ventres rebondis participaient ce week-end à un concours des plus sérieux: celui du meilleur sosie d’Ernest Hemingway.

Depuis 31 ans, l'île de Key West, en Floride, organise ce singulier concours afin de mettre à l’honneur l’écrivain américain, prix Nobel de littérature 1954. C'est à qui aura les rouflaquettes les plus touffues, la moustache la mieux taillée.

Il faut aussi peaufiner la coiffure, une mèche mince et gris clair légèrement rabattue sur la droite, afin de ressembler le plus possible à la célèbre photographie réalisée par le canadien Yousuf Karsh, sur laquelle Hemingway a 56 ans pour l'éternité.

Les sosies d'Ernest Hemingway prennent la pose (c) AFP Photo

L’édition 2011 a réuni pas moins de 121 participants.

Le grand vainqueur est Matt Gineo, un persévérant Floridien de 64 ans. Persuadé d’être le parfait sosie de son écrivain préféré, c’était la douzième fois qu'il tentait sa chance. Et puis, outre une certaine ressemblance, Matt Gineo partage avec l'auteur du «Vieil Homme et la Mer» une passion pour la pêche sportive.

L’élection s’est déroulée dans le bar Sloppy Joe, qu’Ernest Hemingway fréquentait régulièrement de son vivant. Il paraît que la bande de grands-pères a festoyé jusqu’au petit matin.

A sa façon, un des participants rend hommage au roman
«Le Vieil Homme et la Mer» (c) AFP Photo

Fanny Espargillière

Pierre Klossowski: La pornografía del pensamiento

Pierre Klossowski: La pornografía del pensamiento por Jorge Fernández Gonzalo

Les grands trous bleus que font méchamment les oiseuax

Stéphane Mallarmé

[…] no hay original, el modelo de la copia es ya una copia, la copia es una copia de la copia; no hay más máscara hipócrita porque el rostro que encubre la máscara es ya una máscara, toda máscara es sólo la máscara de otra; no hay un hecho, sólo interpretaciones, cada interpretación es la interpretación de una interpretación anterior; no hay sentido propio de la palabra, sólo sentidos figurados, los conceptos son sólo metáforas disfrazadas; no hay versión auténtica del texto, sólo traducciones; no hay verdad, sólo pastiches y parodias. Y así hasta el infinito.

Pierre Klossowski

El pensamiento de Pierre Klossowski (1905-2001) pasa por ser uno de los menos conocidos de nuestro tiempo en el ámbito de la filosofía y de la teoría literaria. Fuera de los circuitos académicos al uso, ajeno, incluso, a la estela que otros autores de la periferia más rebelde y subversiva han proyectado en el pensamiento actual (nos referimos a Bataille, Blanchot), es casi imposible encontrarse en programas académicos o bibliografías al uso con el nombre de Pierre Klossowski, quien apenas es recordado por inspirar a Deleuze algunas de sus ideas más controvertidas como será la necesidad de invertir el platonismo (Deleuze, 1988: 132-133), en un intento por hacer del pensamiento una agresión (Ibíd.: 33).

Inversión, agresión: transgresión. La obra de Klossowski se consolida desde la mirada paródica que pretende resolver el problema platónico del privilegio del original sobre la copia desde su reversión irreverente. Klossowski es el pensador del simulacro, de la sucesión de copias que borran decididamente el ser, el origen, la mismidad que entrampa a nuestro pensamiento. Es el filósofo de la parodia, porque parodiar es ya de entrada construir simulacros, como apuntará el filósofo, para quien la teoría del eterno retorno nietzscheana no era otra cosa que una parodia de todas las teorías posibles. De ahí que la abrazara sin reservas en sus libros de ensayo.

O Jerusalem. Hildegard von Bingen - Sequentia

 

O Jerusalem. Hildegard von Bingen
A dedication ceremony of symphoniae
Sequentia