Hans Werner Henze (1926-2012): entre la música y el compromiso

12/11/2012

HANS WERNER HENZE

No es fácil definir o hacer una síntesis del vasto legado musical de un gigante musical como lo fue el alemán Hans Werner Henze, uno de los indiscutibles autores musicales del siglo XX y parte del XXI.  Lo que sí es incuestionable es que Henze, fallecido el pasado 27 de octubre, es uno de los compositores alemanes más importantes de la segunda mitad del siglo veinte, sino el que más. Pero si hay que resumir en alguna frase o palabra a este gran pensador musical, desde el diario conservador español ABC lo dejaban bien claro y sin titubear, señalando a Henze como “el Einstein de la ópera en el siglo XX”, mientras que el compositor español Jorge Fernández Guerra hablaba del alemán en términos de “músico total”. Por su parte, Arturo Reverter señalaba de Henze “la maestría con la que estaba manejada su orquesta, de enormes medios, pero tratada con una sutileza sensacional; del refinamiento y de la transparencia que conseguía de ella, de la riqueza de matices que despide, de la claridad de las líneas, de la delicadeza de los conjuntos, trabajados con la minuciosidad de un orfebre; de la emoción, del lirismo, que se desprenden de todo ello”.

Dentro de la música contemporánea (la que va desde la Segunda Escuela de Viena hasta hoy) se puede decir que Henze fue un personaje “inclasificable”, sin que su pensamiento musical se adhiriera a movimiento alguno o a un género musical concreto. Para sus coetáneos, no era suficientemente, en lo musical, arriesgado. Le faltaba ese grado de “anarquía” que, según el erudito Theodor Adorno, debían impregnar sus pentagramas. Henze, pues, navegó a contracorriente de las modas y modismos experimentales impuestos por el dodecafonismo sonoro y la atonalidad, optando por buscar más en la tradición del neoclasicismo o ahondar en el lenguaje musical stravinskiano. Y es que, para Henze, las moderneces quedaban para otros, quizás más enfrascados (o atascados) en batallas sobre qué derroteros estilísticos debía de tomar la música culta tras la defunción del romanticismo (con sus tardocomposiciones de los primeros años del siglo pasado) y la aparente consolidación del modelo musical dodecafónico. Así pues, para esos supermodernos progresistas (en lo musical) Henze era una especie de “antigualla” por aquello de que el alemán seguía componiendo óperas largas y obras sinfónicas de matices y colores sospechosamente poco vanguardistas. No era bien visto por los epígonos o capitostes más sobresalientes del “avant-garde” sonoro como Pierre Boulez, Luigi Nono o ese petardo de Karl Heinz Stockhausen, cuyas obras, en general, me resultan lo más parecido a esperpénticos proyectos de algaradas musicales. Ahora bien, debe de quedar claro que si no te gusta la música culta de la segunda mitad del siglo XX, Hans Werner Henze tampoco será un compositor de tu agrado. 

Para seguir leyendo:

 http://uraniaenberlin.com/2012/11/12/hans-werner-henze-1926-2012-entre-la-musica-y-el-compromiso/

Gustave Klimt

Gustave Klimt ( 14 juillet 1862 - 6 février 1918)

Le tableau ci-dessus est un témoignage de l'Art Nouveau (en allemand Jugendstil) qui a rayonné sur toute l'Europe de la «Belle époque».

Son auteur eut du mal à faire reconnaître son style inédit et plein de fraîcheur, où les formes oniriques et les symboles l'emportent sur le réalisme.
Peintre de la beauté féminine et lui-même homme à femmes, Gustav Klimt naît près de Vienne le 14 juillet 1862 dans le ménage d'un ciseleur de métaux précieux. Il entre lui-même à l'école des arts décoratifs et se fait connaître comme décorateur. À 26 ans, il reçoit de l'empereur François-Joseph 1er la médaille d'or du mérite artistique.
Il entre peu après à l'Association des artistes en arts plastiques (Künstlerhaus Genossenschaft). En 1895, il ouvre son propre atelier de peinture, dans une inspiration impressionniste. La même année, à Vienne, l'architecte Otto Wagner publie son manifeste Moderne Architektur et Sigmund Freud publie Esquisse d'une psychologie scientifique. Le monde change et c'est à Vienne que cela se passe...
Les peintres entrent dans la danse.
Le 3 avril 1897, 40 artistes du Künstlerhaus quittent l'Association et fondent un mouvement rebelle, justifié appelé Sécession. Klimt en devient le président. C'est la naissance du Jugendstil. La même année, Gustav Mahler fait sa propre révolutionne à la tête de l'Opéra de Vienne.
En 1901, Klimt peint l'un de ses chefs-d'oeuvre, Judith, une figure biblique à la touche moderne. En 1902, lors de la XIVe exposition de la Sécession, il réalise une fresque spectaculaire dite fresque Beethoven, à la gloire du compositeur.

L'artiste multiplie dès lors les oeuvres picturales et décoratives. Il va également décorer à Bruxelles le palais Stoclet, construit par l'architecte Josef Hoffman.
À la veille de la Grande Guerre de 14-18, il obtient une éclatante reconnaissance internationale.
Il s'éteint à Vienne le 6 février 1918, quelques mois avant ses amis l'architecte Otto Wagner et le peintre Egon Schiele.
La même année disparaît dans la tourmente la Vienne heureuse des Habsbourg.

¿Es tan malo ser antisistema?

¿Es tan malo ser antisistema?

 

http://blogs.publico.es/dominiopublico/1208/%C2%BFes-tan-malo-ser-antisistema/

 

FRANCISCO FERNÁNDEZ BUEY
JORDI MIR

Venimos observando que, en los últimos tiempos, los medios de comunicación de todo tipo han puesto de moda el término antisistema. Lo usan por lo general en una acepción negativa, peyorativa, y casi siempre con intención despectiva o insultante. Y aplican o endosan el término, también por lo general, para calificar a personas, preferentemente jóvenes, que critican de forma radical el modo de producir, consumir y vivir que impera en nuestras sociedades, sean estos okupas, altermundialistas, independentistas, desobedientes, objetores al Proceso de Bolonia o gentes que alzan su voz y se manifiestan contra las reuniones de los que mandan en el mundo.

Aunque no lo parezca, porque enseguida nos acostumbramos a las palabrejas que se ponen de moda, la cosa es nueva o relativamente nueva. Así que habrá que decir algo para refrescar la memoria del personal. Hasta comienzos de la década de los ochenta la palabra antisistema sólo se empleaba en los medios de comunicación para calificar a grupos o personas de extrema derecha. Vino a sustituir, por así decirlo, a otra palabra muy socorrida en el lenguaje periodístico: ultra. Pero ya en esa década la noción se empleaba principalmente para hacer referencia a las posiciones del mundo de Herri Batasuna en el País Vasco. En la década siguiente, algunos periódicos a los que no les gustaba la orientación que estaba tomando Izquierda Unida ampliaron el uso de la palabra antisistema para calificar a los partidarios de Julio Anguita y la mantuvieron para referirse a la extrema derecha, a los partidarios de Le Pen, principalmente, y a la llamada izquierda abertzale. Así se mataba de un solo tiro no dos pájaros (de muy diferente plumaje, por cierto) sino tres.

Fernández Buey

El filósofo que enseñó aprendiendo

Amigos y alumnos del filósofo marxista Fernández Buey homenajean su trayectoria y reivindican un legado íntegro y antidogmático

J. LOSAMadrid15/12/2012

http://www.publico.es/culturas/447468/el-filosofo-que-enseno-aprendiendo

 

El filósofo comunista Francisco Fernández Buey. (Foto de archivo)

 

"La tradición no es venerar las cenizas, sino venerar siempre la llama", con esta cita de Mahler, recogida por el profesor Salvador López Arnal, se podría resumir la trayectoria del filósofo gramsciano Paco Fernández Buey al que hoy diversos amigos y discípulos han querido rendir homenaje en el Espacio abierto FUHEM bajo el epígrafe Comprender, luchar, amar: La vida y el pensamiento de Paco Fernández Buey.

Fallecido el pasado agosto, la figura de Fernández Buey quedará siempre ligada a una visión antidogmática del marxismo. Como ha recordado Joaquim Sempere, exdirigente del PSUC y amigo del filósofo, "la actitud de Paco sobre Marx era enjuiciarlo no sólo por lo que dijo, sino por lo que hizo, poniendo el foco en su moralidad". Una visión que, según ha apuntado Sempere, marcó su forma de entender la lucha de clases, incitando a "construir desde las distintas corrientes de la izquierda un eje articulador para combatir las injusticias". En este sentido, Fernández Buey fue un pensador que siempre mantuvo un pie en el presente, en palabras del filósofo Reyes Mate, que también acudió al acto, Paco "pensaba y escribía no mirando a la biblioteca, sino a la calle".

Su sensibilidad para con los movimientos sociales quedó patente poco antes de su muerte. Así lo ha recordado Jaime Pastor, profesor de Ciencia Política en la UNED, quien, haciendo referencia a una entrevista radiofónica que mantuvo el filósofo poco después del nacimiento del 15-M, Fernández Buey consideraba este movimiento un revulsivo capaz de "resignificar" palabras como justicia o libertad, lo que contrasta con una visión cada vez más crítica de los partidos políticos debido a su creciente "oligarquización".

Consciente de que la izquierda perdía el rumbo si desatendía su carácter internacionalista, dedicó buena parte de su tiempo a reflexionar en profundidad acerca del movimiento altermundista y su papel a la hora de reformular los contenidos programáticos de la izquierda. Según la antropóloga Yayo Herrero, Paco supo mantener su pensamiento en constante evolución, consciente de que "la vida humana es ecodependiente e interdependendiente".

En su labor como catedrático, tanto en la Pompeu Fabra de Barcelona como en la Universidad de Valladolid, Fernández Buey se caracterizó por una enorme sintonía con los estudiantes. "Paco estaba siempre al lado de los jóvenes. En la línea del subcomandante Marcos de enseñar aprendiendo y caminar caminando", ha recordado Rafael Díaz-Salazar, profesor de la Complutense. Precisamente uno de esos jóvenes que aprendió de y junto a él ha sido el encargado de clausurar este homenaje. Jordi Mir, alumno con quien el filósofo coescribió para Público un vehemente artículo titulado ¿Quiénes son los antisistema? -buena muestra de su implicación con los problemas de sus estudiantes-, ha esbozado en su discurso la universidad que Paco soñó; "una universidad abierta a la sociedad y pensada para generar conocimiento que sirviera para la transformación de la sociedad". "Su puerta siempre estaba abierta para todos", ha concluido Mir.

Capilla Sixtina

500 cumpleaños de la Capilla Sixtina

 

http://qdiario.com/500-cumpleanos-de-la-capilla-sixtina.html

 

La Capilla Sixtina en la Ciudad del Vaticano

La decoración de la bóveda de la Capilla Sixtina, situada en la Ciudad del Vaticano, en Roma, comenzó en 1508 pero no fue hasta el 31 de octubre de 1512 cuando se acabó de pintar lo que hoy en día es una de las obras de arte más universal. Hace medio milenio que el papa Julio II inauguró la obra llevada a cabo por Miguel Ángel Buonaroti con una misa y hoy será Benedicto XVI quien realice el mismo ritual para celebrar los 500 años de la Capilla Sixtina.

 

Miguel Ángel no podía imaginar que su costosa obra llena de amarguras y dificultades se convertiría en todo un referente de la iconografía cristiana. Julio II le encargó al decoración de la Capilla Sixtina a Miguel Ángel de manera casi obligada ya que no le dio opción a decidir. Fue por eso que el pintor huyó a Florencia, donde creía que estaría a salvo del actual papa, peor no fue así. El 10 de mayo de 1508 regresó a Roma para hacerse frente de la decoración de la Capilla más importante de la Ciudad del Vaticano. Miguel Ángel tardó cuatro años en acabar la obra de arte, pero no fue el único que decoró la Capilla Sixtina. El 15 de agosto de 1483, el papa Sixto IV ya había encargado embellecer la Capilla con las manos de Boticello, Perugino o Ghirlandaio.

 

 

Julio II, sobrino del papa Sixto IV, decidió que se modificara lo que los anteriores artistas habían creado en la Capilla Sixtina, con pinturas sobre los doce apóstoles, pero se quedaría tan solo en una idea. Miguel Ángel no estaba de acuerdo con la decoración que quería plasmar Julio II en la bóveda de la Capilla. El famoso y reputado escultor pero novato en el arte de la pintura quería mostrar la historia del mundo y el cosmos del universo, es decir, la creación del hombre y la mujer, expulsión del paraíso, diluvio universal… Y así lo hizo. Plasmó una espléndida estructura arquitectónica pintada con la representación de nueve escenas del génesis y cada una de ellas estaba rodeada por cuatro jóvenes desnudos con doce profetas y sibilas. En total más de 300 imágenes.

Jaume Cabré

Jaume Cabré: “Nadie es amo de los temas narrativos” Por Berta Ares
http://www.revistadeletras.net/jaume-cabre-nadie-es-amo-de-los-temas-narrativos/

Jaume Cabré (foto © Xavier Fabré)

Jaume Cabré (Barcelona, 1947) es un escritor genuinamente europeo. Su estilo emocional e intuitivo, sus propuestas argumentales cultas, intrigantes y efectistas; su gestión casi alquímica del tiempo narrativo, sus imprevisibles cambios de punto de vista y de narrador, su continuada reflexión en torno al mal, y la creación de unos personajes con los que el lector convive aún días después de terminar el libro, hacen de él un escritor de gran personalidad. Es muy auténtico también, probablemente porque tiene muy claras sus raíces, que comunica en ese idioma universal que a fin de cuentas es la literatura.

Su bibliografía es, más que extensa, intensa. Su última novela, Yo confieso le ha llevado ocho años, y la anterior Las voces del Pamano, siete. Son años en los que el autor está inmerso en un mundo y atmósfera por él creados, en una historia que se construye sobre la marcha; “cuando escribo una novela no sé de qué irá”, comenta durante la entrevista.

Jaume Cabré es asimismo un escritor de enorme éxito en Cataluña y el resto de Europa. Sólo en Alemania se han vendido más de 500.000 ejemplares de Las voces del Pamano (Traducida de nuevo en 2012 en Destino y publicada en catalán en Proa -2004-). Yo confieso (Destino / Proa en catalán, 2011) lleva ya 70.000 ejemplares vendidos tanto en catalán como en castellano, 60.000 en alemán y 8.000 en italiano, y el número se multiplicará en cuanto salgan las ediciones de bolsillo.

Mantenemos una agradable conversación en su casa. Charlamos en el idioma que a cada uno le resulta más cómodo: él en catalán y yo en castellano. Las lenguas no son fronteras, son puentes.

El catalán es la lengua que habitas.

«La civilisation arabo-musulmane n’a rien inventé»

«La civilisation arabo-musulmane n’a rien inventé»

«La civilisation arabo-musulmane n’a rien inventé» : cette idée reçue remonte à la Renaissance et sera confortée au XIXe siècle...

L'auteur de l'article

http://www.herodote.net/Science_arabe-synthese-1769.php

Spécialiste du monde arabo-musulman, ancien journaliste au Monde et directeur honoraire du Centre d’études de l’Orient contemporain, Paul Balta réexamine ci-après une idée reçue sur la science arabe.
Son texte est tiré d'un essai publié par les éditions Le Cavalier Bleu en février 2011 : Islam & Coran, idées reçues sur l'histoire, les textes et les pratiques d'un milliard et demi de musulmans (collection Idées Reçues, 272 pages, 18 euros). Il a été écrit en collaboration avec Michel Cuypers et Geneviève Gobillot.

Histoire d’un préjugé

Au XVIe, alors que la civilisation arabo-musulmane est entrée en déclin, l’Europe prend l’ascendant et redécouvre son héritage gréco-romain ; elle doit bien admettre sa dette : la plupart des textes perdus pendant «l’âge des ténèbres» avaient été traduits en arabe par des savants syriens maîtrisant les deux langues ; mais on souligne leur chrétienté plutôt que leur arabité. Il est vrai que les bédouins d’Arabie des débuts de la conquête avaient des poètes mais pas de savants.

Au XIXe siècle, les tenants de la laïcité, dont de grands écrivains comme Ernest Renan et le positiviste Auguste Comte, critiquent l’obscurantisme des religions sur un fond d’antisémitisme ; or les Arabes sont aussi des sémites.

Partageant cette façon de voir, les orientalistes de l’époque minimisent les apports originaux de la civilisation arabo-islamique en expliquant qu’elle n’a été qu’une courroie de transmission de la science grecque et des savoirs indiens et persans.

Ce sont des spécialistes, notamment européens et arabes et le Pakistanais Abdus Salam (1926-1996), premier prix Nobel scientifique (physique, 1979) du monde musulman, qui rétabliront les faits dans la seconde moitié du XXe siècle.

En 1999, le prix Nobel de chimie a été décerné à l’Égyptien Ahmad Zuwail.

Les Arabes à la pointe de la modernité

Aristóteles, sobre la educación.

POLÍTICA (Aristóteles)

Libro Quinto

De la educación en la ciudad perfecta

Capítulo I

Condiciones de la educación

No puede negarse, por consiguiente, que la educación de los niños debe ser uno de los objetos principales de que debe cuidar el legislador. Dondequiera que la educación ha sido desatendida, el Estado ha recibido un golpe funesto. Esto consiste en que las leyes deben estar siempre en relación con el principio de la constitución, y en que las costumbres particulares de cada ciudad afianzan el sostenimiento del Estado, por lo mismo que han sido ellas mismas las únicas que han dado existencia a la forma primera. Las costumbres democráticas conservan la democracia, así como las costumbres oligárquicas conservan la oligarquía, y cuanto más puras son las costumbres, tanto más se afianza el Estado.

Todas las ciencias y todas las artes exigen, si han de dar buenos resultados, nociones previas y hábitos anteriores. Lo mismo sucede evidentemente con el ejercicio de la virtud. Como el Estado todo sólo tiene un solo y mismo fin, la educación debe ser necesariamente una e idéntica para todos sus miembros, de donde se sigue que la educación debe ser objeto de una vigilancia pública y no particular, por más que este último sistema haya generalmente prevalecido, y que hoy cada cual educa a sus hijos en su casa según el método que le parece y en aquello que le place. Sin embargo, lo que es común debe aprenderse en común, y es un error grave creer que cada ciudadano sea dueño de sí mismo, siendo así que todos pertenecen al Estado, puesto que constituyen sus elementos y que los cuidados de que son objeto las partes deben concordar con aquellos de que es objeto el conjunto. En este punto nunca se alabará bastante a los lacedemonios. La educación de sus hijos se verifica en común, y le dan una extrema importancia. EN NUESTRA OPINIÓN, ES DE TODA EVIDENCIA, QUE LA LEY DEBE ARREGLAR LA EDUCACIÓN, Y QUÉ ESTA DEBE SER PÚBLICA. Pero es muy esencial saber con precisión lo que debe ser esta educación, y el método que conviene seguir. En general, no están hoy todos conformes acerca de los objetos que debe abrazar; antes, por el contrario, están muy lejos de ponerse de acuerdo sobre lo que los jóvenes deben aprender para alcanzar la virtud y la vida más perfecta. Ni aun se sabe a qué debe darse la preferencia, si a la educación de la inteligencia o a la del corazón. El sistema actual de educación contribuye mucho a hacer difícil la cuestión. No se sabe, ni poco ni mucho, si la educación ha de dirigirse exclusivamente a las cosas de utilidad real, o si debe hacerse de ella una escuela de virtud, o si ha de comprender también las cosas de puro entretenimiento. Estos diferentes sistemas han tenido sus partidarios, y no hay aún nada que sea generalmente aceptado sobre los medios de hacer a la juventud virtuosa; pero siendo tan diversas las opiniones acerca de la esencia misma de la virtud, no debe extrañarse que lo sean igualmente sobre la manera de ponerla en práctica.

Aristóteles (384a.C. - 322 a.C.)

José Hierro

Hierro, novelista inédito

Diez años después de la muerte del poeta, El Cultural descubre las primeras páginas de su novela perdida

http://www.elcultural.es/version_papel/LETRAS/31936/Hierro_novelista_inedito

 

En La Moderna, el bar al que cada mañana acudía José Hierro a escribir y dibujar -era incapaz de hacerlo en casa-, la nostalgia no ha decrecido tras una década de ausencia. Nuestras letras siguen de luto también, pero estos diez años sin Hierro nos están desvelando el rostro oculto del poeta, el de un poderoso narrador clandestino. Aunque en vida publicó nueve relatos (que acaba de recuperar, rescatando un buen puñado de inéditos, Santos Sanz Villanueva en Cuentos reunidos, UPJH), casi nada se sabía de sus novelas.

Porque Hierro (1922-2002) siempre se sintió narrador, y escribió poco después de salir de la cárcel en 1944 cuatro novelas. De hecho, él mismo confesaba creer “sinceramente que es en la novela únicamente donde podré hallar la expresión completa de mi personalidad literaria”. Los resultados no le convencieron demasiado: las dos primeras las desechó “por malas”, pues eran, como le confesó a Pilar Narvión en 1954, “ese cargamento autobiográfico que hay que abandonar en alguna parte”. La cuarta tampoco fue la obra que quería haber escrito. Se titulaba 'Cualquiera que me encuentre', y acabó regalándosela a Joaquín de Entrambasaguas por haberle dado trabajo, a pesar de sus antecedentes políticos, como profesor en los cursos para extranjeros de la Universidad Menéndez Pelayo de Santander. En cuanto a la tercera, se trataba de La vida es el fin, pero ha permanecido oculta hasta hace bien poco entre montones de papeles. En ella parecía creer Hierro de verdad. Llegó incluso a presentarla al premio Nadal, pero la retiró voluntariamente porque reflejaba “con excesiva claridad personas y hechos que han estado cerca de mí”. El Cultural la saca hoy a la luz y publica sus primeros capítulos, en los que el poeta retrata la extrañeza de quien, tras pasar años de cárcel, vuelve a casa y no reconoce ni se reconoce en nada. Sólo en el mar y la nostalgia. Además, acompañamos el relato con dos cuadros al óleo, desconocidos hasta hoy, de Hierro, autor también del retrato inédito que ilustra nuestra portada.

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La vida es el fin

José Hierro

CUANDO Agustín Vidal salió de la cárcel lo primero que hizo fue volver a su tierra. No tenía familia y la amistad de los que conoció seguramente se había enfriado ya. El sabía esto, mas a pesar de ello volvió: un hombre, para emprender el vuelo, necesita suelo firme y familiar. Quizá encontrase a alguien cuyo camino se cruzó algún día con el suyo. Y la palabra de quien ya habló con nosotros tiene poder suficiente para dar fondo mágico a la existencia que empieza, para cargarla de sentido, para materializar evocaciones que acaba por no saberse si son simples fantasías, espuma de recuerdos no vividos. Si al encontrarse de nuevo en su ámbito el choque era violento, tal vez fuera mejor. Vería cómo llegaba a él el desencanto, sabría con certeza que ya no pertenecía al mundo que tuvo por suyo. Así, sólo así, arrojaría el lastre que entorpecía su marcha y emprendería el camino rompiendo con el pasado que tanto había idealizado y por tornar al cual había suspirado tanto No debía acordarse de nada ni pensar en otra cosa que no fuera el mismo camino que iba a emprender.

Alessandro Baricco

Alessandro Baricco: "No me cansa escribir, pero sí el lado público y competitivo del oficio"

El autor italiano presenta en Madrid su última novela, Mr Gwyn

http://www.elcultural.es/noticias/LETRAS/4130/Alessandro_Baricco-_No_me_cansa_escribir_pero_si_el_lado_publico_y_competitivo

Aunque se muestra cortés en todo momento, se nota que a Alessandro Baricco (Turín, 1958), uno de los autores italianos actuales más leídos en España, no le entusiasma conceder entrevistas. O por lo menos le cansa. Pero es parte insoslayable del business editorial: los viajes relámpago, los actos de promoción, el ir y venir de editores, periodistas, agentes, jefes de prensa... Todo eso que no es parte esencial del acto de escribir pero sí del éxito. De todo eso, precisamente, huye el protagonista de su última novela, Mr Gwyn (Anagrama), que presentó este martes en Madrid en una charla con el periodista de El Cultural Alberto Ojeda en La Central de Callao. Tras la dura historia de Emaús, Baricco vuelve con una novela "límpida, divertida de escribir y de leer", escrita en un año “con gran placer”. Jasper Gwyn es un escritor londinense que, de buenas a primeras, publica en The Guardian, del que es colaborador habitual, un artículo en el que enumera 52 cosas que no volverá a hacer. Entre ellas, dejar de escribir y publicar libros -pero no la escritura-. Tras su decisión, a Jasper Gwyn se le ocurre, como una revelación, hacer “retratos escritos”, para lo cual se encierra cuatro horas al día durante un mes en un estudio con un modelo, como si se tratase de un pintor. Y el resultado estará al margen del mundo editorial. Será una relación privada entre el escritor, el retrato y el retratado.

Jordi Soler

Diles que son cadáveres

10 / 08 / 2011Jordi Soler

 

http://www.tiempodehoy.com/cultura/diles-que-son-cadaveres

 

En 1937, en una de sus fases de locura más violentas, el poeta francés Antonin Artaud viaja a Irlanda con la misión de devolver el auténtico bastón de San Patricio. Más de medio siglo después, en Dublín, cuatro personas muy peculiares, de algún modo relacionadas con Artaud, protagonizarán un delirante viaje a Irlanda del Norte que terminará de la forma más inesperada.

Diles que son cadáveres

Jordi Soler

Mondadori / 224 págs.

Precio: 18,90€

Publicación: 8 de septiembre.

Jordi Soler (La Portuguesa, Veracruz, 1963) es autor de dos libros de poesía y siete novelas; las tres más recientes, Los rojos de ultramar (Alfaguara, 2004), La última hora del último día (RBA, 2007) y La fiesta del oso (Literatura Mondadori, 2009). Fue diplomático en Dublín y vive en Barcelona.

Capítulo 1: el agregado cultural

En 1950, dos años después de la muerte del poeta Antonin Artaud, Albert Nalpas fundó Artaud & Co, una escurridiza sociedad que hasta hoy se dedica, en términos generales, a la “preservación y difusión de la memoria del gran poeta de Francia”. Así dice textualmente el eslogan escrito con letras de un rojo ambiguo, más bien rosáceo, en la puerta de las oficinas, y que también se reproduce, en membretes del mismo colorido, en hojas, sobres y tarjetas de presentación. Las oficinas de Artaud & Co, que en realidad son dos habitaciones vetustas parcialmente devoradas por la carcoma, están situadas en el sótano de un hotel, en la rue Serpente, en el 6º distrito de París.

Los primeros años de Artaud & Co transcurrieron favorecidos por el supuesto parentesco que existía entre Albert Nalpas y el poeta, cuyo nombre completo era, efectivamente, Antoine Marie Artaud Nalpas. Durante casi dos décadas Albert, acompañado siempre por Delfina, su mujer y vicepresidenta de la compañía, aprovechó la coincidencia de apellidos para hacerse con una serie de documentos y objetos que poco a poco fueron conformando una importante colección. Simultáneamente Albert fue convirtiéndose en el experto por excelencia cada vez que en algún programa de radio o televisión se hablaba del legado poético de Artaud.

Saul Bellow

Algo por lo que recordarme (Saul Bellow)

Enrique Vila-Matas 17 SEP 2011

Mezclar ficción y realidad es una garantía de fracaso literario. Lo cual recuerda el relato perfecto sobre un viejo narrador que evoca un episodio de su adolescencia, en el Chicago de la Depresión. Una pista sobre el carácter sagrado de la lectura

 

Cada día convivimos más con el ruido de fondo de crisis económicas, invasiones de países árabes, sorpresas de grandes gigantes farmacéuticos, reclamos de la industria del automóvil, tortugas Ninja, crímenes horrendos, pavorosos terremotos devastadores, Bolsas europeas que caen y caen y vuelven a caer, episodios de estupidez humana transmitidos día tras día como si fueran una serie televisiva sin guionista.

En semejante ambiente nuestra agitada vida de víctimas de lo mediático nos recuerda a un fragmento irónico de El caballero inexistente de Italo Calvino: "Debéis disculpar: somos muchachas del campo (...) fuera de funciones religiosas, triduos, novenas, trabajos en el campo, trillas, vendimias, fustigaciones de siervos, incestos, incendios, ahorcamientos, invasiones de ejércitos, saqueos, violaciones, pestilencias, no hemos visto nada".

¿Qué pasó después de Jackson Pollock?

http://eldadodelarte.blogspot.com.es/2012/11/que-paso-despues-de-jackson-pollock.html

¿Qué pasó después de Jackson Pollock?

Es la pregunta que nos deberíamos hacer si queremos profundizar en "la pintura de acción" y en la influencia que este norteamericano ejerció sobre generaciones posteriores.

Y un ejemplo perfecto para hacerlo es a través de la exposición ¡Explosión! El legado de Jackson Pollock que se presenta en la Fundació Miró (Barcelona). Comisariada por Magnus af Petersens, la muestra está organizada en colaboración con el Moderna Musset (Estocolmo) y presenta cerca de 70 obras de 35 artistas desde finales de los años cuarenta hasta finales de los setenta.

Tras la II Guerra Mundial el mundo del arte tenía claro un deseo: era el momento de comenzar de nuevo. Un comienzo que se inició agrediendo a la pintura, que se percibía como una disciplina "agotada".

Por ello, ¡Explosión! El legado de Jackson Pollock se inicia cuando la modernidad se acaba, cuando su madurez estaba a punto de explotar. Ello generó que escultores y pintores comenzasen a verse "artistas" y a ver como potencial material artístico prácticamente todo.

Yves Klein. Anthropometry : Princess Helena, 1960

En 1956, Allan Kaprow, inventor de la palabra "happening" escribió que a pesar de que en ese momento todas las puertas a la creación artística se encontraban abiertas, la mayoría de las nuevas creaciones artísticas (happenings, performances y arte conceptual) nacieron como nuevas aproximaciones al género pictórico. Va a ser el momento para comenzar a valorar la pintura como algo más que un objeto artístico, el momento de apreciar el proceso anterior, las ideas que generaba y los aspectos performativos de la misma.

Jonathan Franzen

Jonathan Franzen: "Internet es el tabaco del siglo XXI"

El escritor publica 'Más afuera' y dice sobre Twitter que "ver la foto del plato de alubias de un amigo en Los Ángeles no es ningún avance"

http://www.lavanguardia.com/libros/20121126/54355652608/jonathan-franzen-internet-tabaco.html

El escritor Jonathan Franzen, Feria Internacional del Libro (FIL) de Guadalajara Héctor Guerrero - AFP

Las claves

• David Foster Wallace
  
  "David estaba enfermo, sí, y en cierto sentido la historia de mi amistad con él es sencillamente que yo quería a una persona mentalmente enferma. Después, la persona deprimida se quitó la vida, de un modo calculado para infligir el máximo dolor a aquellos que más lo querían y (...) nos quedamos con una sensación de rabia (... ) El establishment literario, que nunca había seleccionado siquiera uno de sus libros entre los candidatos a un premio nacional, ahora lo declaraba unánimemente un tesoro nacional perdido"
• La ecología
  
  "Cada primavera llegan unos cinco mil millones de aves procedentes de África para criar en Euroasia, y cada año la friolera de mil millones son eliminadas deforma intencionada por los humanos, sobre todo en las rutas del Mediterráneo"
• La separación
  
  "Una vez roto el sello hermético de mi matrimonio, las cosas se desmoronaron enseguida (...) Debería haber sido divertido y liberador, pero aún me sentía atrozmente culpable. Para mí la lealtad, sobre todo a la familia, es un valor fundamental. La lealtad hasta la muerte siempre había dado sentido a mi existencia"

MÁS INFORMACIÓN

• Jonathan Franzen: Construcción de un fenómeno
• Jonathan Franzen: "La derecha se ha apropiado de la palabra 'libertad'"

 

Gran noticia: Jonathan Franzen sabe escribir corto. El volumen de ensayos Más afuera, que acaba de publicar Salamandra y Columna, tiene algunos textos incluso de tres miserables páginas. El autor de las monumentales Las correcciones o Libertad es la estrella de la 26.ª edición de la Feria Internacional del Libro (FIL) de Guadalajara, la gran cita mundial de la edición en lengua española. Franzen (Western Springs, 1959) concedió una entrevista a este diario en un reservado del hotel Hilton.

Habla en su nuevo libro del fracaso de su matrimonio, del suicidio de su amigo íntimo David Foster Wallace, de sus propios complejos y estados depresivos... ¿No se habrá usted desnudado demasiado?

Sobre los mitos.

Los mitos siguen vivos

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

'Venus, Cupido y las pasiones del amor', pintura de Agnolo Bronzino. / National Gallery

En la antigüedad se crearon relatos fabulosos que terminaron dando fondo a las diversas culturas.

El libro 'Imagen del mito' recupera en todo su esplendor el universo simbólico recopilado por Joseph Campbell. Mitos que hoy subsisten transformados.

Carlos García Gual

http://cultura.elpais.com/cultura/2012/11/20/actualidad/1353428891_244120.html

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Es difícil dar una definición del Mito, como término unívoco y digno de letra mayúscula. Me parece que situar el “pensamiento mítico” como una forma simbólica singular y oponer el Mito a la Razón como incompatibles simplifica demasiado el enfoque. “No hay ninguna definición del mito. No hay ninguna forma platónica del mito que se ajuste a todos los casos reales”, escribió G. S. Kirk, helenista experto en el tema. Evitemos enredarnos en la retórica y la metafísica. Es más claro enfocar “lo mítico” como una vasta región de lo imaginario y tratar de “los mitos” como resonantes relatos que configuran lo que llamamos la mitología. Partamos de un trazo claro: los mitos no son dominio de ningún individuo, sino una herencia colectiva, narrativa y tradicional, que se transmite desde lejos (a veces unida a la religión, en los ritos o en la literatura).

Toda cultura alberga una tradición mítica. Según Georges Dumézil: “Un país sin leyendas se moriría de frío. Un pueblo sin mitos está muerto”. Desde siempre, “los mitos viven en el país de la memoria” (Marcel Detienne). Es decir, pertenecen a la memoria comunitaria y, como señaló el antropólogo Malinowski, ofrecen a la sociedad que los alberga, venera y difunde “una carta de fundación” utilitaria. Son, en sus orígenes, las fundamentales “historias de la tribu”; ofrecen a sus creyentes una interpretación del sentido del mundo.

William S. Burroughs

“Naked lunch”: Palabras para el que sabe Por Estanislao M. Orozco | Portada | 18.11.12

Naked lunch: Palabras para el que sabe ⁽¹⁾

http://www.revistadeletras.net/naked-lunch-palabras-para-el-que-sabe/

 

 

En Naked lunch, William S. Burroughs (1914—1997) vomita el infierno que fue creando y vislumbrando en su interior durante los quince años en que el escritor estuvo enganchado a la droga. Droga es el término genérico que Burroughs utiliza para referirse al “opio y/o sus derivados, incluyendo los sintéticos, del demerol al palfium”. Es como si el resto de drogas no mereciesen el nombre de droga. Solo el opio, los opiáceos, es droga para Burroughs. De igual manera, denomina también con una palabra específica a su periodo de adicción a la droga: la Enfermedad. El escritor entró en contacto con la Enfermedad con treinta años y logró escapar de ella, tras incontables intentos fallidos, con cuarenta y cinco y en un aceptable estado de salud, considerando las circunstancias. Era 1959. Naked lunch se publicó ese mismo año reuniendo, ordenando y editando las notas que Burroughs fue escribiendo durante tan enorme –y abismal– período de tiempo. Debió de ser una tarea titánica, aglutinar esos quince años y crear algo totalmente nuevo con todo aquel incoherente material. Pero Burroughs es un especialista en salir airoso hasta de los peores envites que seamos capaces de imaginar.

 

William S. Burroughs en París (foto © Brion Gysin / nakedlunch.org)

 

Muchos dicen (en el metro, en los bares, pero también en las cátedras…) sobre Naked lunch que se trata de las visiones de un alucinado, o que es un libro de una demoniaca fuerza onírica, aunque ininteligible, o algunas otras afirmaciones que apuntan a la falta de coherencia y de mensaje. Sostener esa idea que aún corre por inercia supone, en mi opinión, subestimar a Burroughs. Y –que conste en acta– eso no se me ocurriría hacerlo, jamás. Este hombre sobrevivió a lo que solo los elegidos son capaces. Ah, conviene recordar que desde que el mundo es mundo los elegidos, generalmente, no son esos héroes que tratan de vendernos con machacona insistencia, sino las criaturas que se saben adaptar. Desde este punto de vista, Burroughs siempre me ha parecido una cucaracha: un ser capaz de sobrevivir a la bomba nuclear.

Jean-Luc Nancy - Filosofía y ateísmo

Filosofía y ateísmo

El filósofo francés pertenece a esa segunda generación de pensadores franceses que relevaron a Sartre, Merleau-Ponty, Blanchot, Lévinas, Lévi-Strauss, nacidos en la primera década del siglo XX

      

 

Usted participó en las III Jornades Filosòfiques organizadas por Arts Santa Mònica y el Institut Francés de Barcelona con el título 'El ateísmo en común. La creatividad metafísica de las sociedades modernas'. ¿Podría precisar por qué considera que la filosofía es atea en sí misma?

Cabe decir, primero, que la filosofía aparece precisamente con la partida de los dioses antiguos. El mundo griego en el que nace la filosofía es el mundo en el que los dioses ya no tienen presencia o, por lo menos, la presencia sagrada plena que podía corresponder en las religiones agrarias. La religión civil de Atenas es, sin duda, una religión que venera personajes mitológicos, símbolos de la Ciudad, pero, por eso, podemos pensar que, más que ante una religión efectiva, nos hallamos ante una religión simbólica que en cualquier caso no pasaba por el sacrificio. Para comprender por qué la filosofía es atea debemos comprender que la filosofía no es una construcción de imágenes o representaciones del mundo, entre las que habría unas con dioses y otras sin ellos. Donde haya una representación del mundo, habrá siempre un dios. Este dios podrá llamarse materia, átomo, energía, como se quiera, pero, a partir del momento en que hay representación de la Totalidad, hay dios. La filosofía justamente no es eso. La filosofía consiste en interrogarse sobre las condiciones del sentido cuando no hay una representación posible del sentido. Así es como la filosofía empieza siendo el pensamiento del logos, pero el logos no es la racionalidad fundada en principios racionales, los cuales harían referencia a un dios que sería la Razón. La racionalidad es ciertamente el intento de dar razón, pero es siempre también, a la vez, el descubrimiento de que nunca se acaba de dar razón o de que no se llega nunca a la razón última.

Dalí, entre el Pompidou y el Reina Sofía

Gran exposición de Dalí, entre el Pompidou y el Reina Sofía

 

El Museo Reina Sofía y el Centro Georges Pompidou han organizado conjuntamente una gran exposición dedicada a Salvador Dalí, una de las muestras más completas realizadas hasta el momento del artista ampurdanés. Podrá ser vista en la capital francesa a partir del 21 de noviembre y después viajará a Madrid, donde abrirá sus puertas el 24 de abril de 2013.

En esta ocasión única se van a reunir alrededor de 200 obras procedentes de importantes instituciones, colecciones privadas y de los tres depositarios del legado Dalí: Fundació Gala-Salvador Dalí (Figueres), Salvador Dalí Museum de St. Petersburg (Florida), y Museo Reina Sofía (Madrid), que de esta forma aunarán esfuerzos para ofrecer al público lo mejor de sus fondos. La muestra cuenta con Jean-Hubert Martin como comisario general, además de Montse Aguer (comisaria en el Museo Reina Sofía) y Jean-Michel Bouhours y Thierry Dufrêne (comisarios en el Pompidou).

Sur la trace des derniers manuscrits de Franz Kafka

De notre envoyé spécial en Israël, Philippe Broussard (L'Express), publié le 14/11/2012 à 07:00

Des manuscrits et des dessins du célèbre écrivain tchèque sont au coeur d'une bataille judiciaire à Tel-Aviv. Une femme de 78 ans, Eva Hoffe, lutte pour en conserver la propriété, convoitée par la Bibliothèque nationale d'Israël. Une histoire, qui renvoie à l'étonnant destin de Max Brod, le meilleur ami de Kafka.

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Franz Kafka (1883-1924) en 1906. Il a rencontré Max Brod à l'Université Charles de Prague en 1902.

Wikimédia Commons/Domaine Public

Franz Kafka lui-même en aurait fait un roman. Une histoire à sa façon, à la fois absurde et riche de sens. L'écrivain tchèque aurait d'abord campé le décor : un univers étrange, entre justice et littérature. Comme dans Le Procès, une escouade d'hommes en noir serait ensuite entrée en scène : des experts, des érudits pointilleux, des magistrats, des avocats, tous englués dans un imbroglio hors d'âge, une querelle d'archives et d'héritage... Dans le rôle principal, une septuagénaire solitaire : Eva Hoffe. C'est chez elle, au rez-de-chaussée d'un modeste immeuble du centre de Tel-Aviv, que tout a commencé, et que tout finira bien un jour. Du moins en théorie...

Nous y voici. 23, rue Spinoza. Dans le hall, côté droit, c'est là, on le devine à l'odeur: ça pue le chat, et la pisse de chat. Combien sont-ils à l'intérieur ? 30, 50, nul ne le sait vraiment : les visiteurs sont rares ; la propriétaire ne les aime guère, et se méfie tout autant de ses voisins. Ces dernières années, bien des journalistes ont buté sur cette porte couverte d'autocollants publicitaires. Pour amadouer la garde féline, l'envoyée spéciale du New York Times s'était même munie d'une souris mécanique en peluche. Sans grand succès. Un reporter australien a eu plus de veine en arrachant ces quelques mots à Eva Hoffe alors qu'elle partait faire des courses: "Cette histoire ne finira jamais, c'est une tension mentale terrible."

La mujer pícara y su constante existencia en la literatura

La mujer pícara y su constante existencia en la literatura

Por Anna M. Guàrdia Garcia | 
 http://www.revistadeletras.net/la-mujer-picara-y-su-constante-existencia-en-la-literatura/
 

“La gitana” (Frans Hals, 1630) D. P.

Desde siempre, cuando se habla de novela picaresca se recurre a una asociación bilateral irreversible -picaresca-pícaro-, y se prescinde muy a menudo del sexo femenino.

No nos extraña que este género literario se estudie a partir de una obra concreta, El Lazarillo de Tormes, por ser esta quien moldeó un esquema estructural y un personaje; pero sí nos sorprende que en muchos libros de texto este estudio se apoye en obras como Guzmán de Alfarache, de Mateo Alemán o Historia de la vida del Buscón, de Quevedo, omitiendo otras no menos importantes como La niña de los embustes, La pícara Justina, La hija de Celestina, Las Harpías en Madrid… ¿Realmente no hay protagonismo femenino en la novela picaresca?…, ¿existe o no la mujer pícara?…

Estas preguntas engendraron reacciones dispares entre los propios críticos. Las posturas van desde aquellos que consideran a las pícaras poco aptas para manifestarse tan exhaustivamente como los pícaros (J. Rodríguez-Luis), pasando por aquellos que abogan por un poder liberalizador de la pícara y proclive a la maldad, peor que en los pícaros (Pablo J. Ronquido, Marta de Zayas), para llegar a los que niegan la posibilidad existencial de las pícaras (Thomas Hanrahan). A través de estas líneas queremos despertar aquellas mentes que creen fanática y unilateralmente en el pícaro, y demostrar mediante un ejemplo concreto (Las Harpías en Madrid, de Alonso de Castillo Solórzano) que no solo existe la pícara, sino que además esta reafirma el género picaresco.